Krafttraining als gesundheitsförderlicher Sport? – Eine Tatsache, die nur wenigen Menschen tatsächlich bewusst ist, denn im Gegensatz zu ausgewählten Ausdauersportarten wie Laufen oder Radfahren gilt Krafttraining nicht unbedingt als Sport, der zu nennenswertem gesundheitlichen Nutzen beiträgt. Der Grund hierfür liegt darin, dass Krafttraining eine vergleichsweise eher geringe Wirkung auf das Herz-Kreislaufsystem besitzt und außerdem, im Falle einer nicht ordnungsgemäß richtigen praktischen Anwendung, eine hohe Verletzungsgefahr mit sich bringt. (Nähere Infos zum Herz-Kreislaufsystem bei Wikipedia: Dort erfahren Sie, wie das Herz-Kreislauf-System, u.a. durch andere Sportarten, Ernährung, etc., gesundheitsbedingt positiv gestärkt werden kann.)

Trotz allem nimmt das immer mehr an Beliebtheit gewinnende Krafttraining einen bedeutenden Stellenwert im Rahmen des allgemeinen Gesundheitssports ein. Krafttraining ist also nicht nur reines Muskel- und Gelenkstraining, sondern ein angesehener Fitness- und Vitalitätssport, der durch seine besonders positive Wirkung auf den menschlichen Organismus äußerst gesundheitsförderlich ist: Gemeinsam mit einem umfangreichen Beweglichkeitstraining sorgt das Krafttraining für einen gezielten Ausgleich auffälliger muskulärer Dysbalancen. Die dafür nötigen Fitnessgeräte, u.a. auch für ein erfolgreiches Beweglichkeitstraining, sind bei Fitster, einem zuverlässigen Fitness Online Shop, erhältlich. Die dort verfügbaren ausführlichen Produktbeschreibungen erklären detailliert, für welche Übungen sich die einzelnen Geräte explizit eignen.

Das Krafttraining trägt darüber hinaus zu einer ansehnlichen Steigerung der koordinativen Leistungsfähigkeit bei. Ausdauer, Kraft sowie die allgemeine Fitness erfahren einen vitalen Schub, was folglich dazu beiträgt, eine gute Körperhaltung zu bewahren. In diesem Sinne kann Rückenbeschwerden sowie allgemeinen Gelenksschmerzen und –Beschwerden vorgebeugt werden. Krafttraining liefert also einen nicht unerheblichen Beitrag zur Verletzungsprophylaxe, da durch ein intensives und regelmäßiges Training sowohl Muskeln als auch Sehnen und Bänder optimal gestärkt werden.

Wer mit dem Krafttraining beginnen möchte, der sollte sich vorerst in einem Fitness Shop bzw. Fitness-Center erkundigen und spezielle Informationen einholen, welche Geräte besonders für Anfänger gut geeignet sind. Dies hängt genau genommen von der körperlichen Tüchtigkeit sowie dem Körpergewicht der jeweiligen Person ab: Für Anfänger erweist es sich im Rahmen des Krafttrainings als besonders wichtig, wirbelsäulenbelastende Komplexübungen wie beispielsweise Kniebeugen in Verbindung mit schwerer Hantellast auf den Schultern zu vermeiden. Gehen Sie es sachte an und trainieren Sie zunächst einfache Elementarübungen. Darauf aufbauend können Sie in Ihr Training stets weitere Übungen integrieren. Schulen Sie langsam Ihre Bewegungstechnik hinsichtlich der gewünschten Komplexübung. Achten Sie hierbei jedoch darauf, dass die Gewichtsbelastung eher gering gewählt wird. Nachdem Sie die Übung erfolgreich in Ihr Training integriert haben, können Sie die Intensität dieser allmählich etwas steigern. Sehen Sie sich diesbezüglich jedoch Problemen gegenüber, so sollten Sie eher zu wirbelsäulenschonenderen Übungen übergehen – selbst, wenn deren gesundheitlicher Wirkungsgrad etwas geringer sein sollte. Anmerkung: Denken Sie auch stets daran, ein ausführliches Dehnprogramm in Ihr Training mit einzuschließen.

Der gesundheitliche Nutzen des Krafttrainings kann sich sehen lassen: Es wird muskulären Dysbalancen erfolgreich entgegengewirkt, indem einerseits die agonistische Muskulatur trainiert, andererseits ebenso die sogenannte antagonistische Muskulatur gezielt gestärkt sowie gekräftigt wird. Betrachtet man beispielsweise einen Springer, so wird deutlich, dass dieser die Beinstreckschlinge agonistisch einer Belastung unterzieht. Genau aus diesem Grund sollte in dieser Hinsicht nicht darauf vergessen werden, ebenso die antagonistischen Beinbeuger zu trainieren. Abschließend sei festgehalten, dass das Krafttraining auch nach Verletzungen zu einer erfolgreichen und schnellen Rehabilitation beiträgt, da es für muskuläre Stabilität in den betroffenen Körperpartien wiederherstellt.

Sie ziehen um und möchten Ihr Schlafzimmer neu einrichten, sind sich jedoch noch im Unklaren welches Bett es denn schlussendlich sein soll? – OZ-Net.at bietet Abhilfe und präsentiert als Special des Monats Juli den ultimativen Betten-Check! Futonbett oder Polsterbett – Das ist hier die Frage! Erfahren Sie wichtige Charakteristika sowie Vor- und Nachteile der beiden Bettentypen und entscheiden Sie sich für das optimale Schlafvergnügen.

Ein Futonbett zeichnet sich durch seinen modernen, asiatischen Stil aus. Typisch für diesen Bett-Typ ist vor allem das niedrige Rahmengestell, mit dem es ausgestattet ist. Dieses ist teilweise so niedrig, dass es bei zahlreichen Modellen fast knapp über dem Fußboden liegt. Dies ist wohl eines der modernen Charakteristika des Futonbetts – möglicherweise auch ein Grund, weshalb es sich besonders bei jungen Menschen immer größerer Beliebtheit erfreut. Für ältere Menschen ist ein Futonbett eher ungeeignet, was schlichtweg auf das niedrige Rahmengestell zurückzuführen ist. Durch die niedrige Höhe könnte es für gebrechliche Menschen sehr beschwerlich sein, sich optimal aufzurichten.

Erhältlich ist das moderne Futonbett im trendigen asiatischen Stil in allen Möbelhäusern in den zulässigen Standardabmessungen 1,40m, 1,60m und 2m Breite auf typischer 2m Länge. Was das Material des Bett-Gestells betrifft, so sei hierbei erwähnt, dass dieses in den unterschiedlichsten Holzarten verfügbar ist. Egal ob Kiefer, Buche, Ahorn oder Nuss – das Futonbett wird allen Wünschen gerecht!

Sie möchten Ihr Futonbett auch als Sofa nützen? – Kein Problem, denn Futonbetten sind ebenfalls als ausziehbare Couch-Bett-Kombinationen erhältlich. Das Futonbett präsentiert also ein breit gefächertes Spektrum an wunderbaren Vorteilen ; hätten wir nicht auf den wichtigsten Teil eines Bettes vergessen – die Matratze. Das Futonbett inkludiert eine feste, einteilige Futon-Matratze, die aus natürlichen Materialien wie Schafschurwolle und Baumwolle gefertigt wird. Sie besitzt zudem einen sogenannten Latexkern sowie ein Innenfutter aus Kokos, was folglich erstklassige orthopädische Voraussetzungen offenbart und dabei auch noch wenig Pflege bedarf. Ein optimales Schlafvergnügen sowie ein gesundes Bettklima sind mit einem modernen Futonbett also in höchstem Maße garantiert!

Oder darf es möglicherweise doch ein gemütliches Polsterbett sein? Polsterbetten sind in den unterschiedlichsten Variationen, Ausführungen und Farben erhältlich – auch hier ist also für jeden Geschmack das richtige Bett dabei! Ein Polsterbett zeichnet sich vor allem dadurch auch, dass es rundherum gepolstert, mit entweder Leder oder Stoff bespannt sowie einem äußerst praktischen Bettkasten ausgestattet ist. Somit bietet das Polsterbett also ausreichend Stauraum für Ihre Kissen und Decken. Dies gewährleistet Ihnen das Nutzen Ihres Bettes als gemütliches Sofa – einfach mit einer trendigen, zum jeweiligen Wohndesign und der Raumausstattung passenden, Zierdecke überziehen und schon haben Sie einen entspannenden Ruhepol in Ihren vier Wänden geschaffen.

Erhältlich sind die beliebten Polsterbetten in den gängigen Abmessungen 90cm, 120cm, 180cm und 2m Breite auf entweder 2m oder 2,2m Länge. Doch es kommt noch besser: Polsterbetten müssen nicht in der bett-üblichen rechteckigen bzw. quadratischen Form bestellt werden, stattdessen liegen runde Polsterbetten momentan absolut im Trend. Statten Sie Ihr Bett zudem mit einem bett-integrierten CD- oder DVD-Player aus und kreieren Sie sich Ihre ganz persönliche Schlaf- und Wohlfühloase!

Futon- oder Polsterbett? – Das können nur Sie selbst entscheiden. Mögen Sie es lieber modern und trendig oder doch lieber gemütlich im Sinne eines gesunden und entspannenden Schlafvergnügens? OZ-Net.at wünscht Ihnen viel Erfolg bei der Wahl Ihres richtigen Bettes und freut sich, Sie bald wieder in unserem Online-Magazin begrüßen zu dürfen.

OZ-Net-Moviestar-Bewertung: 8 / 10

„Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ ist ein im Jahre 2010 produzierter amerikanischer Action-Abenteuerfilm. Der Film, der von Regisseur Mike Newell geschaffen wurde, basiert auf dem gleichnamigen Video- bzw. Computerspiel der weltweit populären „Prince of Persia“-Reihe.

Produziert wurde der erstklassige Filmstreifen von Jerry Bruckheimers Firma „Jerry Bruckheimer Films“ sowie von Walt Disney Pictures. Als passenden Hauptdrehort wählte Regisseur Mike Newell Marokko. Gewisse Szenen von „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ wurden zudem in den Pinewood Studios in Buckinghamshire gedreht.

Seine Weltpremiere feierte Bruckheimers Produktion „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ am 9. Mai 2010 im Westfield Center in London, England. In Deutschland hingegen startete der Film am 20. Mai 2010 in den Kinos.

Der Hype, Videospiele zu verfilmen, geht weiter: Nicht nur Uwe Boll versuchte mit seiner Verfilmung des gleichnamigen Ego-Shooter-Spiels „Far Cry“ sowie „Alone in the Dark“ und „Alone in the Dark II“ sein Glück Großartiges zu vollbringen, auch Simon West und Jan de Bront widmeten sich mit ihren Filmen „Lara Croft – Tomb Raider“ und „Lara Croft: Tomb Raider – Die Wiege des Lebens“ Verfilmung von Videospielen. Nun hat auch Jerry Bruckheimer der Videospiel-Verfilmungswahnsinn gepackt. Der Erfolgsproduzent, auf dessen Konto die „Fluch der Karibik“-Trilogie geht, hat mit „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ klar bewiesen, dass die Verfilmung eines Videospiels wahrhaftig glänzen kann. Vielleicht sollten sich Uwe Boll, Simon West und Jan de Bront bei ihren nächsten Videospiel-Produktionen, die sie mit Absicht auf gute Kritiken auf die Leinwand projizieren möchten, von Jerry Bruckheimers Talent ein wenig abgucken bzw. sich von diesem jedenfalls inspirieren lassen.

Tatsache ist, dass oft davon gesprochen wird, wie ähnlich sich Kinofilme und Computerspiele inzwischen seien. Mike Newell und Jerry Bruckheimer beweisen mit „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ das klare Gegenteil: Auch wenn Spieleentwickler immer mehr Wert auf das sogenannte erzählerische Element eines Videospieles legen und der verfilmte Streifen sich im Hinblick auf Action- und Kampfszenen mehrheitlich an den kämpferischen und stunt-mäßigen Künsten der Videospielfiguren orientiert, erweisen sich die Unterschiede trotz allem als immer noch größer als die Gemeinsamkeiten. Schließlich nimmt man einem Video- bzw. Computerspiel bei seiner Adaption für die Kinoleinwand das eigentliche „Gameplay“ und kleidet es in eine erzählerische Story, die die eigentliche Handlung des werdenden Filmes ausmacht. Aus dem aktiven Spielen resultiert somit im Rahmen der Verfilmung ein passives Zuschauen. Es erweist sich als ganz und gar nicht leicht, einen begeisterten Videospieler, der sein Spiel bis ins kleinste Detail kennt, von einem Film zu überzeugen, bei welchem der Spieler nicht in das Geschehen eingreifen kann – denn er ist ja schließlich nur passiver Cineast. Dies kann einem Produzent bzw. Regisseur nur gelingen, sofern er die Zuschauer mit dem Verlauf der Handlung so mitreißt, als hätten sie das Gefühl, sich selbst im Rahmen des Spieles wiederzufinden. Aufgrund dieser Schwierigkeit gibt es bis heute noch immer keine Spielverfilmung, mit welcher die Fans zu wirklich 100 Prozent zufrieden sind. Auch „Prince of Persia: Der Sand der Zeit“ gelingt die vollständige Zufriedenheit nicht, aber diese Produktion stellt jedenfalls jene dar, die der 100-Prozent-Marke gefährlich nahe kommt.

Persien im 6. Jahrhundert: Prinz Dastan (Jake Gyllenhaal) gehörte nicht immer der persischen Herrscherfamilie an. Er war ursprünglich ein verwaister Straßenjunge, der vom persischen König (Ronald Pickup) adoptiert wurde, nachdem er auf dem Marktplatz Menschlichkeit und Mut bewiesen hatte. Seitdem steht er unter der Obhut von Nizam (Ben Kingsley), dem Bruder des Königs, der sich um Dastan kümmern soll. 15 Jahre später greift die Armee des persischen Königs unter der Führung von Dastan und seinen beiden Brüdern Tus (Richard Coyle) und Garsiv (Toby Kebbell) die heilige Stadt Alamut, die angeblich Waffen an Persiens Feinde verkaufen soll, an. Bei der Belagerung der Stadt fällt Dastan ein geheimnisvoller Dolch in die Hände. Schon bald gelingt es dem jungen Prinzen herauszufinden, dass es sich dabei um nicht irgendeinen Dolch handelt, sondern um einen ganz besonderen, der es ermöglicht, die Zeit für eine gewisse Zeit zurückzudrehen. Die Eroberung der Stadt Alamut verläuft erfolgreich. Auch die Herrscherin der heiligen Stadt, Prinzessin Tamina (Gemma Arterton), kann in ihren Gemächern festgesetzt werden. Doch dann wird Persiens König Sharaman mit einem Geschenk Dastans, dem heiligen Gebetsmantel Alamuts, vergiftet. Nach dem Tod des Königs wird Dastan als Hauptverdächtiger der Tat beschuldigt. Gemeinsam mit Tamina flieht er aus seinem Land, um seine Unschuld zu beweisen, den richtigen Mörder seines Vaters zu finden und eine gefährliche Verschwörung aufzudecken, die das Ende der Welt bedeuten könnte …

Erfolgsproduzent Jerry Bruckheimer hat für seine Produktion „Prince of Persia: Der Sand der Zeit“ den absolut richtigen Hauptdarsteller gewählt. Man kann fast sagen, dass der Schaffer der „Fluch der Karibik“-Trilogie ein ganz spezielles Händchen dafür hat, Heldenrollen an die richtigen Schauspieler zu vergeben, denn auch mit der Besetzung von Nicolas Cage für „The Rock“ hat Bruckheimer auf die richtige Karte gesetzt. Jake Gyllenhaal konnte bereits in Roland Emmerichs „The Day After Tomorrow“ gute Action-Erfahrung sammeln, war aber bisher noch nie in die Rolle eines richtigen Actionheldes geschlüpft. Somit sei gesagt, dass es Gyllenhaal mit seiner wuscheligen Mähne und seinen wie aus der Erde gesprossenen Muskelbergen nicht nur gelingt, seine weiblichen Fans mitzureißen, sondern auch den männlichen Teil des Cineasten von seinem actionreichen Künsten und Talenten zu überzeugen.

Neben Jake Gyllenhaal haben Mike Newell und Jerry Bruckheimer weitere großartige Stars in ihren Cast für „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ aufgenommen. Die 2010 voll durchgestartete Gemma Arterton (in „Kampf der Titanen in der Rolle der „Io“) bereicherte die Videospiel-Verfilmung mit einem Hauch Exotik, wobei Sir Ben Kingsley seine Erfahrungen und Qualitäten als erfahrener Shakespeare-Darsteller beisteuerte. Alles in allem punktet „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ durch eine Vielzahl herausragender Auftritte der Star-Besetzung, wenn auch die Charaktere im Drehbuch als eher sehr oberflächlich und nicht detailgetreu angelegt sind. Beziehungen und Konflikte werden demzufolge nur schemenhaft und nicht ganz klar herausgearbeitet. Dies betrifft vor allem das Verhältnis zwischen Dastan und seinem Onkel Nizam, das eigentlich der Hauptfokus der ganzheitlichen Produktion darstellt. Wäre es gelungen, diese Beziehung und einzelne damit verbundene Dialoge sowohl besser als auch detaillierter zu zeichnen, so hätte dies Bruckheimers „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ noch heller strahlen lassen.

Das gesamte Filmteam hat absolut gut dabei getan, in Marokko bei über 45 Grad Celsius das alte Persien wieder aufleben zu lassen, denn was die Kulissen des Films „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ betrifft, so sind diese der visuellen Vorlage des Video- bzw. Computerspiels perfekt gerecht geworden. Trotzdem weist der Film einige markante Unterschiede zum Spiel auf, die da wären:

• Der Name der Prinzessin lautet im Film „Tamina“, im Spiel jedoch „Farah“.
• Der persische Prinz heißt im Film „Dastan“, im Spiel hingegen wird sein richtiger Name nie erwähnt.
• Der Film „Prince of Persia: Der Sand der Zeit“ erzählt eine umfangreichere Vorgeschichte des Prinzen, die jedoch im Spiel in dieser Fassung nie so vorkam.
• Der Bösewicht „Nizam“ stellt im Spiel einen schlechten Wesir, im Film hingegen einen Adeligen dar.

Faktum ist, dass die Vorgeschichte des Prinzen im Film auf alle Fälle einer umfangreichern Fassung bedurfte, um ein in sich klares Gesamtprodukt schaffen zu können. Der rote Faden konnte somit vom Anfang bis zum Ende verständlich weitergesponnen werden. Auch, dass dem Prinzen in „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ ein Name gegeben werden musste, versteht sich von selbst. Was jedoch als kleine Kritik anzumerken ist, ist die Tatsache, dass der Name der Prinzessin auf „Tamina“ geändert wurde. Begeisterte Fans des Computerspiels würden dies ebenfalls bemängeln, da dadurch dem Original, nämlich dem Computerspiel, nicht exakt treu geblieben wird.

Fazit: „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ ist eine großartige Abenteuer-Fantasy-Kost, der es gelingt, die Zeit des alten Persiens wieder neu aufleben zu lassen. Regisseur Mike Newell, der seit „Harry Potter und der Feuerkelch“ mit magischen Szenen erstklassige bewandert ist, bringt mit „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ einen echten Blockbuster an die Kinoleinwände, der nicht nur mit authentischen Kulissen, gewandter Parcours-Akrobatik und gestürmten Festungen, sondern mit spannenden und actionreichen Szenen wie Attacken von giftigen Vipern gekonnt überzeugt.

OZ-Net-Moviestar-Bewertung: 9 / 10

“Robin Hood” ist ein im Jahre 2010 produzierter Historienfilm von Regisseur Ridley Scott. Die Produktion eröffnete am 12. Mai 2010 die 63. Filmfestspiele von Cannes an der Côte d’Azur in Frankreich. Nur einen Tag später startete Ridley Scotts historisches Abenteuer-Epos in den deutschsprachigen Kinos.

Eines sei zu Beginn schon mal verraten: „Robin Hood“ erzählt nicht die eigentliche Robin-Hood-Geschichte, wie wir sie aus anderen Verfilmungen und Kinderproduktionen kennen, sondern bringt dabei eine fiktive Vorgeschichte zur eigentlichen Robin-Hood-Legende an die Kinoleinwand. Ridley stützt sich dabei nicht ausschließlich auf eine völlig neue, fiktive Geschichte Robin Hoods, sondern integriert altbekannte und reale historische Charaktere sowie Gegebenheiten aus dem 12. Jahrhundert in die ganzheitliche Handlung.

Unsere Gesellschaft befindet sich in einem kontinuierlichen Wandel – sowohl hinsichtlich gewisser Moralvorstellungen als auch bezogen auf den unaufhaltsamen HighTech- und Technologieboom. So wie die Gesellschaft und das generelle heutige Dasein stets einen Schritt nach vorne tun, bewegen sich viele Kinoproduktionen mehrere Schritte zurück. Und so kommt es, dass ein Stoff, der seit Jahrhunderten existiert, immer wieder neu aufgegriffen und im Laufe der Zeit stets aus unterschiedlichen Blickwinkeln und Facetten betrachtet wird. Mit dem Jahre 2010 war schließlich jener Zeitpunkt gekommen, der Regisseur Ridley Scott dazu veranlasste, eine völlig neue Sicht der Robin-Hood-Geschichte zu kreieren. Scott war es genau genommen gelungen, einen frischen Ansatz für die Legende rund um den unbeugsamen Bogenschützen Robin Longstride zu zimmern. Mit „Robin Hood“ schaffte der Regisseur ein erstklassig inszeniertes Action-Abenteuer, dessen Handlung nicht wieder die längst uninteressant gewordene „normale“ Robin-Hood-Geschichte fokussiert, sondern sich auf etwas völlig Neues und bisher Unbekanntes stützt – nämlich die Vorgeschichte des Robin Longstride aus Sherwood Forest …

England um 1200: Das Land „vegetiert“ vor sich hin. Die verheerenden Kreuzzüge des Königs Richard Löwenherz (Danny Huston) bestimmen schlichtweg das Tagesgeschehen, während die Bevölkerung selbst am Hungertuch nagt und von der Krone mit überhöhten Steuern geknechtet wird. Als Richard Löwenherz jedoch im Kampf gegen die Franzosen fällt, übernimmt sein selbstherrlicher Bruder John Ohneland (Oscar Isaac) die englische Krone. Währenddessen John von seinem Regiment als neuer englischer König nicht genug kriegen kann, kommt der Bogenschütze aus Sherwood Forest Robin Longstride (Russell Crowe) gemeinsam mit seinen Freunden und Mitstreitern Will Scarlett (Scott Grimes), Little John (Kevin Durand) und Allan A’Dayle (Alan Doyle) einer gefährlichen Verschwörung auf die Schliche: Der hinterlistige Godfrey (Mark Strong) treibt mit König John ein doppeltes Spiel und versucht, sein Heimatland zu seinen eigenen Gunsten zu verraten. Szenenwechsel: Der in den Hinterhalt gelockte Edelmann und Ritter Sir Robert Loxley (Douglas Hodge), ein Vertrauter König Richards, wird von Godfreys Männern tödlich verletzt. An seinem Sterbebett bittet er Robin, seinem Vater in England, Sir Walter Loxley von Nottingham, von seinem Tod zu berichten und ihm sein Schwert zu übergeben. Robin gibt dem englischen Ritter sein Versprechen und macht sich mit seinen Weggefährten auf den Weg nach Nottingham. Dort trifft er auf Lady Marion (Cate Blanchett), Sir Robert Loxley Witwe. Sir Walter Loxley adoptiert Robin als seinen Sohn und drängt Marion dazu, ihn als ihren zurückgekehrten Ehemann Robert Loxley auszugeben …

Durch Ridley Scotts übermäßige Kreativität ist ihm ein moderner „Robin Hood“, der eine völlig neue Perspektive einnimmt, erstklassig gelungen. Dabei setzte der Regisseur vor allem auf Realismus sowie an die damalige Zeit perfekt angepasste Kulissen. Schon aufgrund dieses realen Inszenierungsstils lässt bereits von Beginn an darauf schließen, dass „Robin Hood“ anno 2010 mit vorherigen Produktionen, in denen Robin Hood einerseits als der König der Diebe gefeiert wurde und die Schauspieler andererseits mit Strumpfhosen durch den Sherwood Forest liefen, wirklich nichts mehr gemein hat. Stattdessen setzt Scott auf harte Actionszenen und kommt dabei seinem ebenfalls vor Kraft nur so strotzenden Klassiker „Gladiator“ erdenklich nahe. Wie soll es auch anders sein – bei der Besetzung? Russell Crowes Darreichung des Robin Hood erinnert in manchen Szenen tatsächlich an seine Rolle als Gladiator, was jedoch als Kompliment aufzufassen sein sollte, denn immerhin gilt „Gladiator“ als absolute Erfolgsproduktion.

Was die „Zeichnung“ und Darreichung der einzelnen Charaktere betrifft, so wird jeder Cineast, der bereits mehrere Robin-Hood-Verfilmungen genossen hat, merken, dass Scotts Rollen nicht gar so klar verteilt sind. Tatsache ist, dass die Figur des legendären Robin Hood auf einem klaren Mythos basiert und sich diese Figur im Zuge der Geschehnisse in England rund um das 12. und 13. Jahrhundert entwickelt hat. In anderen Worten: Diese Zeit, in der die Steuereintreibung sowie das Knechten des Volkes an der Tagesordnung standen, brauchte einen „Helden“, der für Gerechtigkeit und das allgemein Gute kämpfte. Aufgrund dieses Faktums, dass die Figur des Robin Hood auf keiner realen Person fußt, ist es Ridley Scott keinesfalls zu verübeln, dass er sich dazu entschieden hat, seine eigene Geschichte aus Robin Hoods Vorleben zu erzählen. Scott stützt sich, wie bereits erwähnt, nicht auf die allseits bekannte Variante der Robin-Hood-Saga. Somit verkörpern, wie so oft im Rahmen anderer Produktionen, Robin Hood und der englische Ritter Sir Robert Loxley nicht ein- und dieselbe Person, sondern Robin Longstride schlüpft erst im Laufe der Handlung in die Rolle des englischen Edelmannes. Wie wir Russell Crowe bereits aus „Gladiator“ kennen, so zeigt sich der Schauspieler auch in seiner Rolle als Robin Longstride als „harter Hund“. Seine kantige Darreichung des Bogenschützens aus Sherwood Forest steht dabei in völligem Kontrast zu Kevin Costners Rolle als Robin Hood in der gleichnamigen Verfilmung aus dem Jahre 1991. Diese Version war nicht nur „softer“ in ihrem allgemeinen Inszenierungsstil, sondern ebenso von einem Touch Romantik durch die immer wieder ertönende Bryan-Adams-Schnulze, auf den Ridley Scott fast gänzlich verzichtet, geprägt. Trotz der generellen rauen Aufmachung von Scotts „Robin Hood“, kann ohne Bedenken gesagt werden, dass seine Produktion weitaus heller glänzt als so manch andere Darbietungen.

Was die Besetzung von Scotts „Robin Hood“-Verfilmung betrifft, so sei angemerkt, dass diese etwas besser gewählt hätte werden können. Diese Kritik gilt keinesfalls Russell Crowe. Er mag wohl mit seinen 45 Jahren zum Zeitpunkt der Dreharbeiten der wohl  älteste Robin Hood der Robin-Hood-Filmgeschichte sein, aber trotz allem kann er als der bisher beste Schauspieler aller Robin-Hood-Darreichungen angesehen werden. Die Kritik hinsichtlich einer nicht so „prickelnden“ Star-Besetzung gilt vor allem der Rolle der Lady Marion. Cate Blanchett gehört nicht nur zu den bereits über 40-Jährigen, sondern ist in der Rolle der eher zarten und „wunderschönen“ Lady Marion klar fehlbesetzt. Sollte es Scotts Ziel gewesen sein, Lady Marion als eher rau und forsch darzustellen und für ihre Rolle eine Schauspielerin zu wählen, die seit Jahren nicht mehr zur jungen Star-Elite des 21. Jahrhunderts zählt, so ist ihm dies perfekt gelungen.

Fazit: Wer von Ridley Scott noch immer nicht genug hat, sein Meisterwerk „Gladiator“ liebt und eine weitere Top-Verfilmung genießen möchte, der ist mit seinem neuesten Actionabenteuer „Robin Hood“ bestens bedient. Der Film strotzt vor Kraft und zeichnet sich durch einen in jeder Hinsicht perfekten Inszenierungsstil aus. Warum Scott allerdings 140 Minuten Leinwandzeit benötigt, um sein historisches Meisterwerk zum Ende zu führen, ist dennoch unklar. Tatsache ist, dass ein etwas kürzerer Mittelteil dem Film keineswegs geschadet, wenn nicht sogar um ein I-Tüpfelchen besser gemacht hätte.

Ganz Deutschland befindet sich seit Samstag, den 27. Mai 2010, in unaufhaltbarem Freudentaumel: Zum ersten Mal seit 1982 (Sängerin Nicole holte 1982 mit ihrem Hit „Ein bisschen Frieden“ den Sieg für Deutschland) holt sich Deutschland endlich wieder den Sieg bei der Europameisterschaft im Singen – dem Eurovision Song Contest. Der Dank gebührt der quirligen 19-jährigen Hannoveranerin Lena Meyer-Landrut, der es erfolgreich gelungen ist, sich mit ihrem Song „Satellite“ in die Herzen Europas zu singen.

Stefan Raab-Schützling Lena holt nach 28 Jahren in Oslo den Grand Prix wieder nach Hause – Ein Ereignis, das ganz Europa bewegt! Mit satten 246 Punkten aus insgesamt 39 Teilnehmerstaaten ließ die sympathische Abiturientin ihre Konkurrenz deutlich hinter sich. Platz 2 belegte die Türkei mit 170 Punkten, danach folgten Rumänien, Dänemark und Aserbaidschan. Lena macht für Deutschland ein Märchen wahr. Sie ist die neue Sensation der deutschen Musikszene – und das, obwohl sie bis zu Beginn der Pro 7-/ARD-Casting-Show „Unser Star für Oslo“, die von Februar bis April im Fernsehen lief, in Deutschland noch vollkommen unbekannt war.

Mit ihrer offenen, sympathischen, quirligen, aber dennoch selbstbewussten Art sang sich die 19-jährige Lena in die Herzen der Europäer. 12 Punkte gab es Estland, Dänemark, Spanien, Slowakei, Lettland, Finnland, Norwegen, Schweden und der Schweiz. 33 der 39 Teilnehmerländer gaben Punkte für Lena, nur von fünf Ländern erhielt sie keine Wertungspunkte: Null Punkte gab es somit von Armenien, Georgien, Israel, Moldawien und Weißrussland. Aserbaidschan bewertete Deutschland mit nur einem Punkt, Griechenland schickte zwei Pünktchen nach Deutschland. Von Frankreich, Rumänien und Island gab es je drei Wertungszähler für die 19-jährige Lena.

„Es ist unglaublich“, jubelte die quirlige Sängerin mit ihren knallroten Lippen. „Das kann nicht echt sein. Ihr seid verrückt. Oh mein Gott, ich dreh‘ durch.“ Als sie vor rund 18.000 Zuschauern in der Telenor Arena in Oslo und mehr als 125 Millionen Fernsehzuschauern ganz Europas ihren Sieger-Song „Satellite“ noch einmal zum Besten gab, wirkte die 19-jährige Lena leicht überfordert. „Ich befinde mich in einem Schockzustand“, beichtete Lena später im TV. Die Hannoveranerin mit ihren dunklen Locken und knallroten Lippen musste sich die Freudentränen verkneifen. Ihr Mentor und Entdecker Stefan Raab hatte vor Aufregung, Freude und Überwältigung nicht nur rote Bäckchen, er zeigte sich mit einem gekonnten Dauer-Grinsen und schwenkte die deutsche Fahne.

Zahlreiche Umfragen und Wetten hatten Lenas potenziellen Sieg schon vor dem 55. Eurovision Song Contest in Oslo prophezeit. Tatsache ist, dass seit langem die Chancen für den Sieg eines deutschen Interpreten beim Song Contest nicht mehr so gut gewesen sind wie dieses Jahr. Schon als alle Teilnehmer für den 55. Eurovision Song Contest feststanden, galt die 19-jährige Hannoveranerin als klare Favoritin. Sogar die Suchmaschine Google sagte Lenas Sieg voraus. Das hat der Internet-Riese aus einer weltweiten Auswertung an Suchanfragen errechnet. Dass Googles Rechenkünste tatsächlich funktionieren, beweist Vorjahres-Grand-Prix-Sieger Alexander Rybak. Den Sieg des jungen Norwegers hatte Google ebenfalls vorhergesagt.

Derzeit befindet sich ganz Deutschland im unersättlichen Freudentaumel. Zehntausende feierten zum Wochenende Lenas Sieg im Rahmen zahlreicher Grand-Prix-Parties in u.a. Hamburg, Düsseldorf und Hannover. Nach Lenas Sieg wird Deutschland den 56. Eurovision Song Contest austragen. Der genaue Veranstaltungsort steht bisher noch nicht fest. Auch wer Deutschland im nächsten Jahr vertreten wird, muss noch entschieden werden. Stefan Raab muss da nicht lange überlegen. Für ihn steht der deutsche Teilnehmer für den 56. Eurovision Song Contest bereits fest: „Wir haben nach fast 30 Jahren die Europameisterschaft im Singen ins eigene Land geholt. Es ist nichts natürlicher, als wenn der Sieger den Titel im eigenen Land verteidigt.“ Lenas Reaktion darauf: „Ja sichi.“

„Ich weiß noch gar nicht, was alles auf mich zukommt“, so die 19-jährige Sängerin. Nur das Beste, liebe Lena! Das gesamte Team von OZ-Net.at wünscht Lena alles Gute auf ihrem weiteren musikalischen Lebensweg!

(Quelle Bild 1 und 3: © by Universal Music Group / Quelle Bild 2 bzw. Urheber: Daniel Kruczynski)

Sie sind gerade dabei, sich Ihr Eigenheim Ihren Wünschen entsprechend zu gestalten? Was die schwierige Entscheidung zwischen Jalousien & Rollos betrifft, sind Sie jedoch noch im Unklaren? Dann helfen wir Ihnen dabei. OZ-Net.at präsentiert Ihnen wertvolle Einrichtungstipps, die Ihr Heim nicht nur verschönern, sondern Ihre vier Wände zu einer gemütlichen Umgebung werden lassen.

Jalousien dienen einem variablen Sicht- und Sonnenschutz und bestehen aus verstellbaren bzw. wendbaren dünnen Brettchen, nämlich sogenannten Lamellen. Die Jalousien können entweder an der Außenseite oder an der Innenseite eines Fensters angebracht werden. Dies obliegt dem individuellen Belieben der jeweiligen Person. Vermehrte Anbringung erfahren Jalousien hingegen an der Innenseite des Fensters. Der Grund hierfür liegt darin, dass die einzelnen Lamellen nicht aneinander andocken und somit stets ein 2-3 cm großer Abstand zwischen je zwei Lamellen besteht. Würden die Jalousien an der Außenseite eines Fensters angebracht werden, so würden die einzelnen Lamellen leicht verschmutzen, wodurch diese stets einer kontinuierlichen Reinigung bedürfen. Preiswerte Jalousien sind jedem Baumarkt erhältlich und mit einer entsprechenden Anleitung bequem und einfach selbst zu montieren.

Rollos hingegen dienen ebenso dem Sonnenschutz, stellen jedoch im Gegensatz zu den Jalousien nicht die optimale Möglichkeit hinsichtlich eines adäquaten Sichtschutzes dar. Eine altbewährte Alternative hierfür werden Rollläden, die an der Außenseite von Fenstern angebracht werden und leicht zu säubern sind. Wer jedoch ausschließlich einen ordnungsgemäßen Sonnenschutz benötigt, der ist mit einem Rollo perfekt bedient. Rollos sind in den unterschiedlichsten Transparenzgraden, Mustern, Größe, Farben und Formen erhältlich. Sogar Rollos in Form eines Dreiecks oder Trapezes – beispielsweise für Kinderzimmer – sind kein Problem. Wenden Sie sich an einen Fachhändler, der Ihnen Ihre wunschgemäße Form individuell anfertigt.

Die Mehrheit der Rollos ist mit einer speziellen Seitenzugbedienung erhältlich. Dadurch erweist sich die Bedienung als absolut wartungsarm, wodurch infolgedessen jedes Rollo stufenlos auf- und abgerollt werden kann. Rollos zeichnen sich dadurch aus, dass sie als lange haltbar gelten und für die inneren Räumlichkeiten als Testsieger im Rahmen des optimalen Sonnenschutzes hervorgingen.

(Bildquelle / Urheber: Walter J. Pilsak, Waldsassen)

OZ-Net-Moviestar-Bewertung: 8 / 10

“Iron Man 2” ist ein im Jahre 2010 produzierter Science Fiction – Action-Film von Regisseur Jon Favreau. Der Film, der genau genommen die Fortsetzung des Films „Iron Man“ aus dem Jahre 2008 bildet, basiert ganzheitlich auf der gleichnamigen Marvel-Comicreihe und ist eine Realverfilmung mit Robert Downey Jr. in der Hauptrolle des Tony Stark bzw. Iron Man. „Iron Man 2“ knüpft perfekt an das Ende des ersten Teiles an und führt die Handlung glänzend fort.

Seine Weltpremiere feierte Favreaus „Iron man 2“ am 28. April 2010 in Frankreich und Belgien. In Deutschland hingegen startete der Film am 6. Mai 2010 in den Kinos.

Sechs Monate sind vergangen, als Multimilliardär und Lebemann Tony Stark (Robert Downey Jr.) auf einer eigens einberufenen Pressekonferenz verkündete, er sei der glorreiche Iron Man höchstpersönlich. Seither hat er in Eigeninitiative dafür gesorgt, den Weltfrieden zu erhalten und seine Waffen für „gute und friedliche“ Zwecke einzusetzen. Sein Outing als fliegender und wahrhaftig „eiserner“ Held im super modernen HighTech-Anzug bedeutet für Tony Stark nicht nur pompös-feierliche Veranstaltungen und Partys, sondern das Aufstreben zahlreicher Widerstände – auch seitens der US-Regierung, die ebenso gerne ein Stück von Starks glorreicher Technologie für sich beanspruchen würde. Wo gibt es schon einen Privatier, der im Besitz eines weitaus mächtigeren Waffensystems als die Regierung selbst ist? Stark sieht sich auf der sicheren Seite – doch er hat die Rechnung ohne Technologie-Genie Ivan Vanko alias „Whiplash“ (Mickey Rourke) gemacht! Dank Starks Assistentin Virgina „Pepper“ Potts (Gwyneth Paltrow), die ihm mal schnell seinen eisernen Anzug überbringt, gelingt es ihm zwar, den wilden Russen zu bändigen und ihn hinter verschlossene Gitter zu bringen, doch an nun ist die Zeit gekommen, ab der der Druck auf ihn, seine Technologie der amerikanischen Regierung auszuhändigen, immer größer wird. Es kommt noch schlimmer: Starks zwielichtiger Geschäftskonkurrent Justin Hammer – ebenfalls Waffenfabrikant – befreit den „peitschenschwingenden“ Vanko aus dem Gefängnis, um sich von diesem einen HighTech-Anzug basteln zu lassen, der jenem von Iron Man nicht nur in dessen Funktionen ähnelt, sondern diesem bei weitem überlegen ist …

Dank der überragenden schauspielerischen Leistung von Robert Downey Jr. zählt „Iron Man“ neben „The Dark Knight“ zu den besten filmischen Leistungen im Rahmen des Ansturms an Comic-Verfilmungen. Doch was macht „Iron Man 2“ nahezu perfekt? – Die Antwort liegt klar auf der Hand: Regisseur Jon Favreau verlässt sich im Rahmen seiner Produktion nicht nur auf seinen Hauptdarsteller Robert Downey Jr., sondern versucht auch an anderen Ecken des Filmes wahrhafte Glanzeffekte, die „Iron Man 2“ das gewisse „Etwas“ verleihen, zu erzielen. Dies gelingt ihm einerseits mit seiner fantastischen Starbesetzung (Gwyneth Paltrow, Scarlett Johansson und Mickey Rourke), andererseits mittels der vielseitigen Darbietung einzelner Handlungsstränge.

Wer „Iron Man 2“ als klassischen Action-Film betrachtet, der hat von der Kinematographie eher weniger verstanden. Nur weil der Film die Anzahl der Bösewichte von 1 auf 2 vergrößert hat, heißt das noch lange nicht, dass die gesamte Produktion von einer actionreichen HighTech-Schlacht geprägt ist. Tatsache ist, man glaubt es kaum, dass „Iron Man 2“ nur 3 (!!!) „richtige“ Actionszenen präsentiert: Die erste ist jene in Monaco beim „Grand Prix Historique“, in welcher der peitschenschlagende Russenschurke „Whiplash“ die heranrasenden Formel 1 – Boliden gekonnt in Einzelteile zerschneidet. Die zweite actionreiche Szene spielt sich auf Starks ausgelassener Geburtstagsparty ab. Dort trinkt der Superheld einen gehörig über den Durst und liefert sich des Weiteren auch noch eine nahezu oscarreife Rangelei mit seinem Kumpel Rhodey (Don Cheadle). Man bemerke, dass die Rangelei zwar in Starks Privatbar stattfindet, diese jedoch über die Grenzen einer „normalen“ Kneipenschlägerei hinausreicht. Irgendwie liegt das doch klar auf der Hand, wenn man bedenkt, dass die beiden Schläger in hochmodernen HighTech-Anzügen um sich schlagen, oder? Der dritten Szene wird durch den finalen „Kampf“ zwischen Iron Man, Rhodey, Whiplash und Black Widow (Scarlett Johansson) ein actionreicher Touch verliehen. Nicht nur Black Widows gewandte Kampftechniken kommen glänzend zur Geltung, auch in jeglicher anderer Hinsicht wirft die Szene mit bombastischem Schauwerten um sich. Der Film kann zwar mit abwechslungsreichen Action-Szenen in Sachen Quantität nicht besonders überragend punkten, doch was deren Qualität und Unterhaltungsreichtum betrifft, so macht „Iron Man 2“ dieses kleine Manko gekonnt wieder wett.

Da in „Iron Man 2“ spannende Actionelemente etwas zurückhaltend eingesetzt werden, bleibt natürlich Zeit und Raum für vielerlei andere Dinge. Cineasten, die von der glorreichen und actiongeprägten Produktion „Iron Man“ sowie der lebemannähnlichen und aufgeweckten Darbietung des Tony Stark angetan waren, müssen ihre Euphorie bei „Iron Man 2“ etwas in Zaum halten. Tatsache ist, dass Jon Favreaus „Iron Man 2“ eine Richtung einschlägt, die von jener des ersten Teils ein klein wenig abweicht: Wo es „Iron Man“ gelang, mit einer satten Fuhr Humor sowie der allgemein locker-flotten Darreichung zahlreiche Cineasten in die Kinos zu locken, erweist sich das Sequel „Iron Man 2“ in einzelnen Zügen seriöser und mit etwas weniger Witz. Dies rührt wohl daher, dass Tony Stark intensiv damit beschäftigt ist, eine Lösung für den Elektrotransmitter, der ihn zugleich vergiftet, zu finden. Fakt: Gelingt es ihm nicht rechtzeitig, eine passende alternative Energiequelle zu finden, so muss er sterben. Jeder, der „Iron Man“ gesehen hat, kennt Tony Stark als arroganten, eher kalten und überheblichen Geschäftsmann. Doch in „Iron Man 2“ werden einzelne Szenen präsentiert, die den „großen Mann“ als in sich gekehrt und eher nachdenklich zeigen. Das ist natürlich nicht verwunderlich, sofern man bedenkt, dass der große Stark einen Wettlauf mit dem Tod gewinnen muss.

Fakt ist jedoch, dass wir im Großteil des Filmes – trotz Starks einzelner niedergeschlagener Phasen – auf sein egozentrisches und arrogantes Verhalten nicht vollständig verzichten müssen. Auch in der Fortsetzung von „Iron Man“ präsentiert sich Tony Stark als absoluter Egomane, dem es fast gelingt, seine Assistentin und spätere Chefin Virgina „Pepper“ Potts in den Wahnsinn zu treiben. Er geht zu weit, wenn man bedenkt, dass Stark kein Problem damit hat, Peppers Modern-Arts-Sammlung zu verschenken, um stattdessen ein Poster von Iron Man – der Abbildung seiner eigenen Persönlichkeit – aufzuhängen. Dies ist längst noch nicht alles: Tony Stark erweitert sein arrogantes Auftreten und schmeißt mit, eigentlich nicht seinem Niveau gemäßen, Lebensweisheiten wie „Don’t think, drink!“ um sich. Außerdem denkt er sich anscheinend nicht viel dabei, als er bei seiner Geburtstagsfeier vor versammelter Partygesellschaft in seinen HighTech-Iron Man-Anzug pinkelt – Ja, auch ein großer Tony Stark darf mal ein bisschen aus der Rolle fallen.

Fazit: „Iron Man 2“ erweist sich als nicht ganz so gut „geölt“ wie sein Vorgänger, trotz allem jedoch sind hinsichtlich seines eisernen HighTech-Anzuges noch keine gravierenden Abnutzungserscheinungen zu erkennen. Jon Favreau ist mit seinem Sequel zwar nicht der optimale Wurf wie mit „Iron Man“ gelungen, aber trotzdem sei gesagt, dass auch „Iron Man 2“ mit grandiosem Unterhaltungswert – sei es in filmtechnischer sowie schauspielerischer Hinsicht – ausgestattet ist.

Nach wochenlangen Spekulationen rund um ein mögliches Liebes-Aus zwischen Prinzessin Madeleine von Schweden und ihrem Verlobten Jonas Bergström ist es nun offiziell: Der schwedische Königshof bestätigte jetzt die Trennung des jungen Paares.

Die Nachricht über die Auflösung der Verlobung von Schwedens schönstem Spross und seinem Verlobten überflutet die skandinavische Presse wie ein Tsunami. Prinzessin Madeleine von Schweden (27) und der Rechtsanwalt Jonas Bergström (31) werden in Zukunft getrennte Wege gehen. In beiderseitigem Einvernehmen seien die beiden zu dem Entschluss gekommen, dass eine Trennung das Beste für sie wäre. Nach sieben gemeinsamen Jahren Seite an Seite verkündete das Paar am 11. August seine Verlobung – knapp acht Monate später teilte das schwedische Königshaus mit, dass die Hochzeit nicht wie geplant stattfinden werde: Die Hochzeit wird verschoben! Datum ungewiss.

Bereits zu diesem Zeitpunkt wurde über eine akute Liebeskrise zwischen Prinzessin Madeleine und ihrem Verlobten Jonas Bergström gemunkelt. Was genau der Grund dafür ist, war bislang nicht bekannt. Erst letzten Dienstag wurden die Karten auf den Tisch gelegt: Die norwegische Boulevardzeitung „Se og Hoer“ berichtete über eine junge, blonde Frau, die angab, mit dem Verlobten der schwedischen Königstochter intim geworden zu sein: „Ich hatte eine Affäre mit Jonas“, erklärte Tora Uppstøm Berg (21).

Der Beitrag mutierte zu einem regelrechten Medienrummel, der sich dermaßen zuspitze, sodass sich sogar der schwedische Königshof höchstpersönlich zu Wort meldete. Damals dementierte das Königshaus jegliche Gerüchte um eine mögliche Affäre zwischen der jungen, blonden Norwegerin und Madeleines Verlobten Jonas Bergström. Wie sich jetzt offenbarte, sprach der schwedische Hof nicht die Wahrheit – wahrscheinlich deshalb, um die Prinzessin vor einer Schmutzkampagne zu schützen.

Laut der norwegischen Boulevardzeitung „Se og Hoer“ zufolge verbrachte Madeleines Verlobter einige Zeit mit Freunden im schwedischen Skiort Åre. Dort soll der Rechtsanwalt die Norwegerin kennengelernt haben. Tora Uppstøm Berg berichtet, dass sie und Jonas sich schnell nähergekommen seien. Ihren Berichten nach soll sich Jonas als „Jacob Bergström“ ausgegeben haben. Die Norwegerin habe ihn außerdem nicht als Verlobten der schwedischen Königstochter erkannt. Daraufhin erklärt sie: „Hätte ich gewusst, dass er eine Partnerin hat, hätte ich so etwas nie getan. Es tut mir sehr Leid für Madeleine, dass ihr Freund sie betrogen hat. Und ich finde es gut, dass die Hochzeit verschoben wird.“

Ist Madeleine eine Verlobung mit einem unehrlichen Mann eingegangen? Skandinavische Medien spekulieren bereits über ein geheimes Doppelleben von Jonas Bergström. Angaben zufolge soll er sich mit Freunden oft die Nächte um die Ohren geschlagen haben – des Öfteren vermehrt unter falschem Namen – während er untertags als junger Anwalt einer renommierten Stockholmer Kanzlei arbeitete und sein „königliches“ Leben als Verlobter von Prinzessin Madeleine genoss. Alles nur Gerüchte und Spekulationen oder handelt es sich doch um die traurige Wahrheit?

Tatsache ist, dass sich das Paar seit dem Nobel-Fest im Dezember 2009 nicht mehr gemeinsam in der Öffentlichkeit gezeigt hat. Ebenso zum traditionellen sonntäglichen Abendessen auf Schloss Drottningholm soll die schwedische Prinzessin in letzter Zeit alleine und ohne Begleitung erschienen sein.

Derzeit sucht die schöne Prinzessin Abstand in New York, wo sie für die Charity-Organisation „Childhood“ ihrer Mutter Königin Silvia tätig ist.

(Bildquelle / Urheber: Bengt Nyman)

OZ-Net-Moviestar-Bewertung: 7 / 10

“Kampf der Titanen” ist ein im Jahre 2010 produzierter Fantasy-Action-Film von Regisseur Louis Leterrier. Seine Handlung bezieht der Film aus der griechischen Mythologie, wobei hierbei zu sagen ist, dass nicht alle Fakten wahrheitsgetreu aus der Mythologie übernommen wurden. Genau genommen ist „Kampf der Titanen“ eine Neuverfilmung des gleichnamigen Films „Kampf der Titanen“ von Desmond Davis aus dem Jahre 1981.

Seine Weltpremiere feierte Leterriers „Kampf der Titanen“ am 25. März 2010 in Griechenland – dem Ursprungsland des mythologischen Handlungsstranges des Films. In sowohl Österreich als auch Deutschland und der Schweiz startete der Film am 8. April 2010 in den Kinos.

Mit „Kampf der Titanen“ lockt ein weiterer 3D-Film zahlreiche Cineasten in die Kinos: „Avatar“ und „Alice im Wunderland“ haben es vorgemacht – „Kampf der Titanen“ führt den 3D-Hype fort. Es scheint wohl in letzter Zeit schlichtweg „in Mode“ zu sein, einen Film nach dem anderen in 3D zu produzieren. Nach „Alice im Wunderland“ ist „Kampf der Titanen“ bereits der zweite Film, dem der Tiefeneffekt des allseits beliebten 3D erst in der Postproduktion verliehen wurde. Wie man sieht hat nicht jeder Regisseur wie James Cameron die Zeit, sich die Vision eines möglichen Filmes über Jahre zu überlegen und diesen von Beginn an in 3D zu produzieren. Tatsache ist, dass die Regisseure von „Alice im Wunderland“ und „Kampf der Titanen“ wohl besser getan hätten, ihren Filmen den 3D-Effekt von Anfang an „einzuweben“. Sollten zukünftige 3D-Filme – und wir können uns angesichts des bombastischen 3D-Hypes sicher sein, dass noch viele weitere folgen werden – ihren Tiefeneffekt ebenso erst in der Projektnachbereitung verliehen bekommen, so wird der 3D-Boom schneller vorbei sein, als man glaubt.

Leterriers Remake von Ray Harryhausens Schinken „Kampf der Titanen“ aus dem Jahre 1981 ist in Sachen Choreographie und Landschaftsbilder auf eine besonders beeindruckende Art und Weise perfekt gelungen. Trotz allem erweisen sich die teilweise äußerst distanzlosen Kampfszenen sowie ruckartig schwenkenden Filmbilder für ein wirkungsvolles 3D-Kinoerlebnis als eher ungeeignet. Obwohl Leterrier in dieser Hinsicht markante Fehler unterlaufen sind – besonders aufgrund der Tatsache, dass der Fantasy-Action-Film einen absoluten 3D-Film darstellen sollte – sind ihm weitere Experimente wunderbar gelungen. Als besonders positiv ist an dieser Stelle die bildhafte Darreichung der antiken Sagengestalten sowie einiger Schauplätze zu erwähnen. Dabei sind vor allem der anfänglich schwache Hades, der dies mit einem eher gebrechlichen Gang und zurückhaltender Stimme perfekt zum Ausdruck bringt, die Unterwelt mit der Darstellung des Fährmannes, der „gutmütige“ Zeus, der stets als hell und in Verbundenheit mit den Menschen repräsentiert wird sowie Medusa, deren „trashige“ Darbietung ihrer Gestalt besonders hohe Achtung verdient, hervorzuheben.

Darüber hinaus hat der französische Regisseur glänzend bewiesen, dass er kein Problem damit hat, voneinander unabhängige Handlungsstränge logisch miteinander zu verknüpfen, sodass ein in sich klarer „Inhaltsfaden“ mit einer plausiblen Geschichte entsteht: Rund um die anfänglichen Unklarheiten hinsichtlich Perseus‘ Herkunft und familiären Hintergrund hat Leterrier ein in sich einheitlich und nachvollziehbares Netz an einer klar formulierten Adoleszenz-Geschichte gesponnen.

Perseus’ wirre Familienkonstellation bewirkt einen Konflikt, der bereits zu Beginn von „Kampf der Titanen“, als sich Perseus als Erwachsener mit seinem Vater auf dem eigenen Schiff befindet, klar abzusehen ist. Es beginnt ein Kampf verschiedener Vaterfiguren, die sich um Perseus‘ eigentliche Identität duellieren, um Perseus zu jenem „Menschen“ zu machen, der das Schicksal bezwingen kann. Neben den verkörperten Vaterfiguren wird auch einer bestimmten Mutterfigur eine besonders wichtige Rolle zugeteilt: Io verkörpert einerseits die Mutterfigur, andererseits ein Objekt der Begierde. Die körperliche Verbundenheit zwischen Io und Perseus ist bereits von Beginn des Filmes an erkennbar. Trotz allem wird ihre wahre Zuneigung nie öffentlich kundgetan. Man könnte sogar anfänglich glauben, dass es Prinzessin Andromeda gelingt, das Herz von Perseus zu erobern. Dies aufgrund der Tatsache, dass sie zu Beginn des Filmes besonders in den Vordergrund gerückt wird und Perseus eindeutige Blicke zuwirft. Jener Zuschauer oder Cineast, der auf eine positives Liebeserwachen zwischen Andromeda und Perseus bis zum Ende von „Kampf der Titanen“ hofft – auch als er sie vor dem furchterregenden Kraken rettet – wird maßlos enttäuscht.

Leterrier ist es wunderbar gelungen, einen namhaften Cast (Sam Worthington als Perseus ; Liam Neeson als Zeus ; Ralph Fiennes als Hades) für seinen Film „Kampf der Titanen“ aufzubauen. Damit hat er Avatar-Star Sam Worthington die Chance gegeben, als wahrer Titelheld in voller „Montur“ aufzutreten – und das ohne CGI-Maske wie bei „Avatar“. Gemma Arterton schafft es mit der Darstellung ihrer Io, eine attraktiv-geheimnisvolle Stimmung zu erzeugen. Auf der Seite des Olymps hingegen verdient die Schauspielerei nicht so großes Lob: Würden sich Liam Neeson als Zeus und Ralph Fiennes als Hades nicht gegenseitig „hochspielen“, so würden die Szenen auf dem kitschig dargestellten Götterhimmel stets nebensächlich und absolut nicht spannend ausfallen.

Obwohl „Kampf der Titanen“ mit seiner Star-Besetzung gut „ausgestattet“ ist, schafft es der Fantasy-Action-Film leider nicht, an das Niveau eines echten Popcorn-Krachers heranzukommen. Dazu kommt nicht nur die Tatsache, dass der post-eingesponnene Tiefeneffekt des 3D eine klare Fehlentscheidung war und hier das gute, alte 2D-Kino die eindeutig bessere Wahl gewesen wäre, sondern auch der Fakt, dass Poseidon zwar als einer der drei Göttergeschwister zu Beginn des Films vorgestellt wird, dieser jedoch außer der Floskel „Bruder!“ nie zu Wort kam. Anscheinend existieren doch nur Zeus und Hades, die sich um die Oberhand des Olymps streiten, oder haben wir da etwas Wichtiges verpasst?

OZ-Net-Moviestar-Bewertung: 4 / 10

„Vera – Die Frau des Sizilianers“ ist ein packendes zweiteiliges Liebesdrama von Starregisseur Joseph Vilsmaier („Bergkristall“), das auf den Geschehnissen einer wahren Begebenheit basiert.

Der Film ist ein deutsch-österreichisches Drama aus dem Jahre 2005, das die Zwecke eines spannenden Fernsehabends glänzend erfüllt. Wahre Cineasten jedoch werden mit „Vera – Die Frau des Sizilianers“ mehr als enttäuscht sein, denn das Drama hat nichts weiter zu bieten, als die Thematik von Liebe und Mafia sowie Leben und Tod „sanft“ aufzugreifen. Interessante Hintergrundinformationen, die für den Film von zentraler Bedeutung gewesen wären, werden dem Zuschauer nicht mitgeteilt. Handlungssprünge sind keine Seltenheit, wodurch folglich zueinander gehörende Handlungsstränge entweder getrennt voneinander thematisiert oder völlig gespalten werden. Somit liegt klar auf der Hand, dass der Film wahrhaftige Mankos aufweist, die einem Fernsehzuschauer, der sich ausschließlich nach einem Unterhaltungsdrama mit einem Touch „Liebe“ und ein wenig Mafia-Action sehnt, verborgen bleiben. Echte Cineasten erwarten zuviel, wenn es darum geht, eine echte Mafia-Handlung zu verfolgen, denn auf diese wird im ersten Teil von „Vera – Die Frau des Sizilianers“ gänzlich verzichtet ; im zweiten Teil stellt sie neben der vorherrschenden Handlung rund um die Liebe zwischen der Deutschen Vera und dem Sizilianer Gaetano nur einen in etwa „Vendetta-mäßigen“ Nebenpart dar.

Mit den Termini „Amore“, „Mafia“ und „Vendetta“ könnte man das TV-Dramolett bezeichnen, denn genau diese Begrifflichkeiten bringen die Handlung exakt auf den Punkt. Eigentlich liegt es schon von Vornherein klar auf der Hand, dass sich die Zielgruppe von „Vera – Die Frau des Sizilianers“ eher auf absolute Italien-Freaks beschränkt. Gunther Gillian gebührt in dieser Hinsicht ein großes Lob, denn nicht nur äußerlich, sondern auch hinsichtlich seiner italienischen Aussprache sowie Gestik könnte man ihn leicht mit einem echten „Itaker“ verwechseln. Ebenso die Kulissen und Drehorte in Sizilien wurden wunderbar ausgewählt. Damit ist es perfekt gelungen, das sizilianische und allgemein italienische Flair bildlich zu demonstrieren und dem Fernsehzuschauer selbst die sorgenfreie, teilweise unbekümmerte italienische Welt zu zeigen.

Lüneburger Heide, 1961: Die junge Supermarktangestellte Vera (Lara Joy Körner) verliebt sich in den charmanten und temperamentvollen Sizilianer Gaetano Scalli (Gunther Gillian). Obwohl ihre Großeltern, bei denen Vera aufgewachsen ist, gegen eine Beziehung zu dem „Itaker“ sind, hält sie an ihrer großen Liebe zu Gaetano fest. Gaetano ist ein gefühlvoller Mann, der Vera zwar aufrichtig und ehrlich liebt, ihre Liebe jedoch immer wieder aufs Spiel setzt. Er fühlt sich vom Leben benachteiligt und nimmt sich alles, was ihm vermeintlich zusteht. So lernt Vera die Schattenseiten Gaetanos kennen. Als sie jedoch von Gaetano ein Kind erwartet, beharrt sie erst recht auf ihrer Beziehung zu ihm.

Alles scheint sich zum Guten zu wenden: Gaetano und Vera entschließen sich zu heiraten, ein Baby ist unterwegs und Gaetano hat endlich eine feste Arbeit – bis er Toni Viccini (Max Tidof), einen Nachtclubbesitzer und äußerst skrupellosen und zwielichtigen „Geschäftsmann“, kennenlernt und Gaetano seine Vera überredet, mit ihm und der kleinen Tochter Tiziana nach Sizilien zu gehen. Dort angekommen beginnt ein gefährliches Abenteuer zwischen Mafia, Liebe, Leben und Tod …

Mit äußerst feinem Gespür für Zeitkolorit versucht Starregisseur Joseph Vilsmaier auf eine ganz besondere Art und Weise, die Atmosphäre der deutschen 60er Jahre in seinem TV-Liebes-Dramolett „Vera – Die Frau des Sizilianers“ aufzugreifen. In den beiden Hauptrollen glänzen Lara Joy Körner und Gunther Gillian als deutsch-italienisches Traumpaar, das sich gesellschaftlichen Diskriminierungen und Konventionen sowie familiären Vorurteilen widersetzt. Weitere Rollen wurden durch Mario Adorf, Max Tidof, Heinz Hoenig, Martin Semmelrogge und Carolina Vera-Squella besetzt.

Lara Joy Körner, Gunther Gillian, Mario Adorf und Max Tidof setzen alles daran, die Thematik der Mafia und Vendetta in einem Zusammenspiel rund um Liebe zwischen zweier Menschen auf eine besondere Weise zu behandeln. Dies gelingt jedoch nur ansatzweise, denn im ersten Teil des Dramas bewegt sich ausschließlich die Liebesgeschichte zwischen Vera und Gaetano im Vordergrund. Erst im zweiten Teil rückt die Handlung der Mafia vermehrt in das Geschehen des Dramas, bleibt jedoch neben der Liebesgeschichte auf einem eindeutigen 50:50-Pfad. Wer hier einem reinen Mafia-Film entgegensieht, sieht im wahrsten Sinne des Wortes zuviel, denn genau genommen hätte der Film als reines Liebesdrama ausgelegt werden müssen. Fazit: Abgesehen von einer teils kitschigen Liebesgeschichte zwischen einer Deutschen und einem Sizilianer mit mitreißenden italienischen Floskeln und etwas zurückhaltendem „Mafia-Bum-Bum“ hat „Vera – Die Frau des Sizilianers“ nicht viel zu bieten. Alles in allem – der Film ist nichts weiter als eine aufgesetzt wirkende Mafia-Seifenoper.