OZ-Net-Moviestar-Bewertung: 7 / 10

„Fackeln im Sturm“, Original: „North and South“, ist eine Fernsehserie, die auf dem dreiteiligen Roman von John Jakes basiert. Die Serie wurde in 15 Folgen, aufgeteilt in drei Staffeln, in den Jahren 1985, 1986 und 1994 produziert. Was die Handlung von „Fackeln im Sturm“ betrifft, so sei festgehalten, dass das Drama im 19. Jahrhundert in den USA spielt und die Thematik des Nord- und Südstaatenkonfliktes behandelt.

South Carolina 1842: Orry Main (Patrick Swayze) lebt mit seiner Familie, d.h. seinen Eltern Tillet (Mitchell Ryan) und Clarissa Main (Jean Simmons) sowie seinen beiden jüngeren Schwestern Brett (Genie Francis) und Ashton Main (Terri Garber), auf Mont Royal – einer riesigen Baumwoll-Plantage, dessen Bewirtschaftung zahlreiche Sklaven übernehmen. Auf seinem Weg nach West Point, wo er sich auf der Militärakademie zum Offizier ausbilden lassen möchte, lernt er bei einem Kutschenunfall Madeline Fabray (Lesley-Anne Down) kennen und verliebt sich in sie. Die beiden beschließen, sich Briefe zu schreiben, die, ohne Orrys und Madelines Wissen, von Madelines Vater unterschlagen werden – dies darum, um Madelines Beziehung zu Justin LaMotte (David Carradine), einem wohlhabenden Plantagenbesitzer aus South Carolina, zu intensivieren.

Orry lernt auf seinem Weg nach West Point in New York George Hazard (James Read) kennen. George ist Sohn des Besitzers der Eisengießerei „Hazard Iron“ und stammt aus Pennsylvania in den Nordstaaten. Trotz der Unterschiede zwischen Nord und Süd freunden sich Orry und George an, werden beste Freunde und absolvieren gemeinsam die Militärakademie in West Point, wo sie von ihrem beider Erzfeind und gleichzeitigem Militärausbilder Elkanah Bent (Philip Casnoff) stetig drangsaliert und gedemütigt werden.

Madeline heiratet in der Zwischenzeit den Plantagenbesitzer Justin LaMotte, da sie aufgrund der zahlreichen unbeantworteten Briefe Orrys denkt, er hätte sie in seiner Abwesenheit in West Point vergessen.

Kurz darauf bricht der mexikanisch-amerikanische Krieg aus. Orry und George kämpfen Seite an Seite und treffen im Zuge des Krieges erneut auf Bent, durch dessen Schuld Orry schwer verwundet wird. Orry erleidet eine schlimme Beinverletzung, wodurch er seine militärische Karriere vorerst beenden muss. So kehrt er zurück auf Mont Royal und übernimmt nach dem Tod seines Vaters Tillet Main die Führung der elterlichen Baumwoll-Plantage. George in Pennsylvania in den Nordstaaten erbt zusammen mit seinem Bruder Stanley (Jonathan Frakes) die väterliche Eisengießerei „Hazard Iron“ und verliebt sich in die schöne Offizierstochter Constance Flynn (Wendy Kilbourne), die er kurz darauf auch heiratet.

Im Jahre 1861 bricht der Amerikanische Bürgerkrieg aus: Norden und Süden stehen sich an den Fronten feindlich gegenüber – so auch die beiden Freunde Orry und George, die auf unterschiedlichen Seiten kämpfen müssen. Demnach wird die Freundschaft zwischen Orry und George mehrmals auf eine harte Probe gestellt – auch durch Georges Schwester Virgilia (Kristie Alley), die die Sklaven-Ausbeutung der Südstaatler sowie auch Orrys Einstellung gegenüber der Sklaverei verabscheut. Dies erschwert auch die Beziehung von Orrys Schwester Brett zu Georges Bruder Billy (John Stockwell, später: Parker Stevenson), deren Liebe unter den Gegensätzen zwischen Norden und Süden schwer zu leiden hat.

Bei einem Heimaturlaub während des Amerikanischen Bürgerkrieges tötet Orry Madelines gewalttätigen Ehemann Justin LaMotte. Die beiden heiraten und bekommen einen kleinen Sohn namens Orry Nicolas Jr. Nachdem der Krieg endlich vorbei ist, sinnt Bösewicht Bent erneut auf Rache, worauf er Orry sowie Georges Ehefrau Constance ermordet. Orrys Bruder Cooper Main, der erst später im Rahmen der Handlung erscheint, übernimmt die Plantage Mont Royal, überlässt sie jedoch später seiner Schwägerin Madeline. George kommt nach dem Tod seiner Frau nach Mont Royal und unterstützt Madeline bei ihrer Arbeit auf der Plantage. Die beiden verlieben sich ineinander und beschließen, Mont Royal, das bei einem schrecklichen Brand zerstört wurde, gemeinsam neu aufzubauen.

Der Test von „Fackeln im Sturm“ beruht auf der 8-teiligen DVD-Sammleredition (erhältlich bei Amazon zum Preis von EUR 19,39). Die Sammlung beinhaltet acht DVDs, welche auf drei Staffeln aufgeteilt sind: Staffel 1 beinhaltet drei, Staffel 2 enthält wiederum drei und Staffel 3 verfügt über zwei DVDs.

Obwohl es sich um einen Film aus den 1980er-Jahren handelt, ist die Qualität der DVDs recht ordentlich. Spielt man die DVDs auf einem BluRay-Player ab, so ist eine noch bessere Qualität zu erwarten. Was die Detailschärfer des Bildes betrifft, so können hier natürlich keine Höchstleistungen erwartet werden. Die Farben wirken teils etwas blass, was den Film jedoch nicht weniger attraktiv macht. Alles in allem kann die Qualität für einen 80er-Jahre-Film als sehr gut eingestuft werden.

Leider verfügen die DVDs über keinerlei Extras – so beinhalten die DVDs einzig und allein die einzelnen Episoden der drei Staffeln. Hierbei hätten sich viele Fackeln-im-Sturm-Fans sicher gefreut, interessantes Bonusmaterial wie Interviews, Set-Mitschnitte, etc. genießen zu können.

Die DVDs beinhalten jeweils zwei Fassungen – nämlich die deutsche Version, welche um einige Szenen gekürzt wurde, sowie die englische und ungekürzte Originalfassung.

Was den Inhalt der Fackeln-im-Sturm-Saga betrifft, so sei festgehalten, dass hierbei einige Kritikpunkte anzuführen sind. Die Handlungsstränge sind teilweise nicht klar verlaufend, was vor allem durch einzelne Sprünge in der Handlung selbst bewirkt wird. Außerdem werden einzelne Handlungen im Raum stehen gelassen und nicht fertig erzählt – so beispielsweise die Geschichte von Brett und Billy. Nachdem Mont Royal abgebrannt ist, wird auf die Beziehung von Brett und Billy nicht weiter eingegangen.

Weiters ist die Einführung der Figur des „Charles Main“ nicht ganz korrekt verlaufen. Charles Main wurde die ersten Folgen keineswegs erwähnt, plötzlich jedoch findet sich Charlie in der kompletten Handlung wieder und nimmt bis zum Schluss der Saga eine wichtige Rolle ein. Darüber hinaus war bislang nichts darüber bekannt, dass Charlie Main ebenfalls ein Erzfreind von Elkanah Bent ist.

Auch die Vorstellung der Figur des „Cooper Main“ hat so ihre Mängel, da bis zur dritten Staffel nicht erwähnt wurde, dass Orry Main einen entfernten Bruder hat.

Was die Darbietung der Roben der 1980er-Jahre betrifft, so sollte hier ein großes Lob ausgesprochen werden. In Sachen Stil, Eleganz und Perfektion hat „Fackeln im Sturm“ wahrlich Großartiges bewiesen. Auch was das Verständnis der gesamten Thematik im Hinblick auf die Historik des Amerikanischen Bürgerkrieges betrifft, sei festgehalten, dass der Handlung hierbei problemlos gefolgt werden kann. Die Darstellung des Krieges bezüglich historischer Ereignisse ist also ebenfalls wunderbar gelungen.

Auch in Sachen Besetzung kann „Fackeln im Sturm“ punkten: Hollywood-Stars wie Patrick Swayze, David Carradine, Lesley-Anne Down und Kirstie Alley kämpfen zwischen Erfolg und Macht, Liebe und Hass sowie Himmel und Hölle um die Gunst der Süd- bzw. Nordstaaten.

Fazit: „Fackeln im Sturm“ ist trotz einiger Kritikpunkte eine unterhaltsame und wirklich großartige Saga, die sich für gemütliche Winterabende perfekt eignet. Wer sich noch dazu für populäre US-Schauspieler wie u.a. Patrick Swayze, Jonathan Frakes, Kirstie Alley oder David Carradine begeistern kann, der hat mit „Fackeln im Sturm“ auf jeden Fall die richtige Wahl getroffen.

OZ-Net-Moviestar-Bewertung: 8 / 10

„Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ ist ein im Jahre 2010 produzierter amerikanischer Action-Abenteuerfilm. Der Film, der von Regisseur Mike Newell geschaffen wurde, basiert auf dem gleichnamigen Video- bzw. Computerspiel der weltweit populären „Prince of Persia“-Reihe.

Produziert wurde der erstklassige Filmstreifen von Jerry Bruckheimers Firma „Jerry Bruckheimer Films“ sowie von Walt Disney Pictures. Als passenden Hauptdrehort wählte Regisseur Mike Newell Marokko. Gewisse Szenen von „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ wurden zudem in den Pinewood Studios in Buckinghamshire gedreht.

Seine Weltpremiere feierte Bruckheimers Produktion „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ am 9. Mai 2010 im Westfield Center in London, England. In Deutschland hingegen startete der Film am 20. Mai 2010 in den Kinos.

Der Hype, Videospiele zu verfilmen, geht weiter: Nicht nur Uwe Boll versuchte mit seiner Verfilmung des gleichnamigen Ego-Shooter-Spiels „Far Cry“ sowie „Alone in the Dark“ und „Alone in the Dark II“ sein Glück Großartiges zu vollbringen, auch Simon West und Jan de Bront widmeten sich mit ihren Filmen „Lara Croft – Tomb Raider“ und „Lara Croft: Tomb Raider – Die Wiege des Lebens“ Verfilmung von Videospielen. Nun hat auch Jerry Bruckheimer der Videospiel-Verfilmungswahnsinn gepackt. Der Erfolgsproduzent, auf dessen Konto die „Fluch der Karibik“-Trilogie geht, hat mit „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ klar bewiesen, dass die Verfilmung eines Videospiels wahrhaftig glänzen kann. Vielleicht sollten sich Uwe Boll, Simon West und Jan de Bront bei ihren nächsten Videospiel-Produktionen, die sie mit Absicht auf gute Kritiken auf die Leinwand projizieren möchten, von Jerry Bruckheimers Talent ein wenig abgucken bzw. sich von diesem jedenfalls inspirieren lassen.

Tatsache ist, dass oft davon gesprochen wird, wie ähnlich sich Kinofilme und Computerspiele inzwischen seien. Mike Newell und Jerry Bruckheimer beweisen mit „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ das klare Gegenteil: Auch wenn Spieleentwickler immer mehr Wert auf das sogenannte erzählerische Element eines Videospieles legen und der verfilmte Streifen sich im Hinblick auf Action- und Kampfszenen mehrheitlich an den kämpferischen und stunt-mäßigen Künsten der Videospielfiguren orientiert, erweisen sich die Unterschiede trotz allem als immer noch größer als die Gemeinsamkeiten. Schließlich nimmt man einem Video- bzw. Computerspiel bei seiner Adaption für die Kinoleinwand das eigentliche „Gameplay“ und kleidet es in eine erzählerische Story, die die eigentliche Handlung des werdenden Filmes ausmacht. Aus dem aktiven Spielen resultiert somit im Rahmen der Verfilmung ein passives Zuschauen. Es erweist sich als ganz und gar nicht leicht, einen begeisterten Videospieler, der sein Spiel bis ins kleinste Detail kennt, von einem Film zu überzeugen, bei welchem der Spieler nicht in das Geschehen eingreifen kann – denn er ist ja schließlich nur passiver Cineast. Dies kann einem Produzent bzw. Regisseur nur gelingen, sofern er die Zuschauer mit dem Verlauf der Handlung so mitreißt, als hätten sie das Gefühl, sich selbst im Rahmen des Spieles wiederzufinden. Aufgrund dieser Schwierigkeit gibt es bis heute noch immer keine Spielverfilmung, mit welcher die Fans zu wirklich 100 Prozent zufrieden sind. Auch „Prince of Persia: Der Sand der Zeit“ gelingt die vollständige Zufriedenheit nicht, aber diese Produktion stellt jedenfalls jene dar, die der 100-Prozent-Marke gefährlich nahe kommt.

Persien im 6. Jahrhundert: Prinz Dastan (Jake Gyllenhaal) gehörte nicht immer der persischen Herrscherfamilie an. Er war ursprünglich ein verwaister Straßenjunge, der vom persischen König (Ronald Pickup) adoptiert wurde, nachdem er auf dem Marktplatz Menschlichkeit und Mut bewiesen hatte. Seitdem steht er unter der Obhut von Nizam (Ben Kingsley), dem Bruder des Königs, der sich um Dastan kümmern soll. 15 Jahre später greift die Armee des persischen Königs unter der Führung von Dastan und seinen beiden Brüdern Tus (Richard Coyle) und Garsiv (Toby Kebbell) die heilige Stadt Alamut, die angeblich Waffen an Persiens Feinde verkaufen soll, an. Bei der Belagerung der Stadt fällt Dastan ein geheimnisvoller Dolch in die Hände. Schon bald gelingt es dem jungen Prinzen herauszufinden, dass es sich dabei um nicht irgendeinen Dolch handelt, sondern um einen ganz besonderen, der es ermöglicht, die Zeit für eine gewisse Zeit zurückzudrehen. Die Eroberung der Stadt Alamut verläuft erfolgreich. Auch die Herrscherin der heiligen Stadt, Prinzessin Tamina (Gemma Arterton), kann in ihren Gemächern festgesetzt werden. Doch dann wird Persiens König Sharaman mit einem Geschenk Dastans, dem heiligen Gebetsmantel Alamuts, vergiftet. Nach dem Tod des Königs wird Dastan als Hauptverdächtiger der Tat beschuldigt. Gemeinsam mit Tamina flieht er aus seinem Land, um seine Unschuld zu beweisen, den richtigen Mörder seines Vaters zu finden und eine gefährliche Verschwörung aufzudecken, die das Ende der Welt bedeuten könnte …

Erfolgsproduzent Jerry Bruckheimer hat für seine Produktion „Prince of Persia: Der Sand der Zeit“ den absolut richtigen Hauptdarsteller gewählt. Man kann fast sagen, dass der Schaffer der „Fluch der Karibik“-Trilogie ein ganz spezielles Händchen dafür hat, Heldenrollen an die richtigen Schauspieler zu vergeben, denn auch mit der Besetzung von Nicolas Cage für „The Rock“ hat Bruckheimer auf die richtige Karte gesetzt. Jake Gyllenhaal konnte bereits in Roland Emmerichs „The Day After Tomorrow“ gute Action-Erfahrung sammeln, war aber bisher noch nie in die Rolle eines richtigen Actionheldes geschlüpft. Somit sei gesagt, dass es Gyllenhaal mit seiner wuscheligen Mähne und seinen wie aus der Erde gesprossenen Muskelbergen nicht nur gelingt, seine weiblichen Fans mitzureißen, sondern auch den männlichen Teil des Cineasten von seinem actionreichen Künsten und Talenten zu überzeugen.

Neben Jake Gyllenhaal haben Mike Newell und Jerry Bruckheimer weitere großartige Stars in ihren Cast für „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ aufgenommen. Die 2010 voll durchgestartete Gemma Arterton (in „Kampf der Titanen in der Rolle der „Io“) bereicherte die Videospiel-Verfilmung mit einem Hauch Exotik, wobei Sir Ben Kingsley seine Erfahrungen und Qualitäten als erfahrener Shakespeare-Darsteller beisteuerte. Alles in allem punktet „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ durch eine Vielzahl herausragender Auftritte der Star-Besetzung, wenn auch die Charaktere im Drehbuch als eher sehr oberflächlich und nicht detailgetreu angelegt sind. Beziehungen und Konflikte werden demzufolge nur schemenhaft und nicht ganz klar herausgearbeitet. Dies betrifft vor allem das Verhältnis zwischen Dastan und seinem Onkel Nizam, das eigentlich der Hauptfokus der ganzheitlichen Produktion darstellt. Wäre es gelungen, diese Beziehung und einzelne damit verbundene Dialoge sowohl besser als auch detaillierter zu zeichnen, so hätte dies Bruckheimers „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ noch heller strahlen lassen.

Das gesamte Filmteam hat absolut gut dabei getan, in Marokko bei über 45 Grad Celsius das alte Persien wieder aufleben zu lassen, denn was die Kulissen des Films „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ betrifft, so sind diese der visuellen Vorlage des Video- bzw. Computerspiels perfekt gerecht geworden. Trotzdem weist der Film einige markante Unterschiede zum Spiel auf, die da wären:

• Der Name der Prinzessin lautet im Film „Tamina“, im Spiel jedoch „Farah“.
• Der persische Prinz heißt im Film „Dastan“, im Spiel hingegen wird sein richtiger Name nie erwähnt.
• Der Film „Prince of Persia: Der Sand der Zeit“ erzählt eine umfangreichere Vorgeschichte des Prinzen, die jedoch im Spiel in dieser Fassung nie so vorkam.
• Der Bösewicht „Nizam“ stellt im Spiel einen schlechten Wesir, im Film hingegen einen Adeligen dar.

Faktum ist, dass die Vorgeschichte des Prinzen im Film auf alle Fälle einer umfangreichern Fassung bedurfte, um ein in sich klares Gesamtprodukt schaffen zu können. Der rote Faden konnte somit vom Anfang bis zum Ende verständlich weitergesponnen werden. Auch, dass dem Prinzen in „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ ein Name gegeben werden musste, versteht sich von selbst. Was jedoch als kleine Kritik anzumerken ist, ist die Tatsache, dass der Name der Prinzessin auf „Tamina“ geändert wurde. Begeisterte Fans des Computerspiels würden dies ebenfalls bemängeln, da dadurch dem Original, nämlich dem Computerspiel, nicht exakt treu geblieben wird.

Fazit: „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ ist eine großartige Abenteuer-Fantasy-Kost, der es gelingt, die Zeit des alten Persiens wieder neu aufleben zu lassen. Regisseur Mike Newell, der seit „Harry Potter und der Feuerkelch“ mit magischen Szenen erstklassige bewandert ist, bringt mit „Prince of Persia – Der Sand der Zeit“ einen echten Blockbuster an die Kinoleinwände, der nicht nur mit authentischen Kulissen, gewandter Parcours-Akrobatik und gestürmten Festungen, sondern mit spannenden und actionreichen Szenen wie Attacken von giftigen Vipern gekonnt überzeugt.

OZ-Net-Moviestar-Bewertung: 9 / 10

“Robin Hood” ist ein im Jahre 2010 produzierter Historienfilm von Regisseur Ridley Scott. Die Produktion eröffnete am 12. Mai 2010 die 63. Filmfestspiele von Cannes an der Côte d’Azur in Frankreich. Nur einen Tag später startete Ridley Scotts historisches Abenteuer-Epos in den deutschsprachigen Kinos.

Eines sei zu Beginn schon mal verraten: „Robin Hood“ erzählt nicht die eigentliche Robin-Hood-Geschichte, wie wir sie aus anderen Verfilmungen und Kinderproduktionen kennen, sondern bringt dabei eine fiktive Vorgeschichte zur eigentlichen Robin-Hood-Legende an die Kinoleinwand. Ridley stützt sich dabei nicht ausschließlich auf eine völlig neue, fiktive Geschichte Robin Hoods, sondern integriert altbekannte und reale historische Charaktere sowie Gegebenheiten aus dem 12. Jahrhundert in die ganzheitliche Handlung.

Unsere Gesellschaft befindet sich in einem kontinuierlichen Wandel – sowohl hinsichtlich gewisser Moralvorstellungen als auch bezogen auf den unaufhaltsamen HighTech- und Technologieboom. So wie die Gesellschaft und das generelle heutige Dasein stets einen Schritt nach vorne tun, bewegen sich viele Kinoproduktionen mehrere Schritte zurück. Und so kommt es, dass ein Stoff, der seit Jahrhunderten existiert, immer wieder neu aufgegriffen und im Laufe der Zeit stets aus unterschiedlichen Blickwinkeln und Facetten betrachtet wird. Mit dem Jahre 2010 war schließlich jener Zeitpunkt gekommen, der Regisseur Ridley Scott dazu veranlasste, eine völlig neue Sicht der Robin-Hood-Geschichte zu kreieren. Scott war es genau genommen gelungen, einen frischen Ansatz für die Legende rund um den unbeugsamen Bogenschützen Robin Longstride zu zimmern. Mit „Robin Hood“ schaffte der Regisseur ein erstklassig inszeniertes Action-Abenteuer, dessen Handlung nicht wieder die längst uninteressant gewordene „normale“ Robin-Hood-Geschichte fokussiert, sondern sich auf etwas völlig Neues und bisher Unbekanntes stützt – nämlich die Vorgeschichte des Robin Longstride aus Sherwood Forest …

England um 1200: Das Land „vegetiert“ vor sich hin. Die verheerenden Kreuzzüge des Königs Richard Löwenherz (Danny Huston) bestimmen schlichtweg das Tagesgeschehen, während die Bevölkerung selbst am Hungertuch nagt und von der Krone mit überhöhten Steuern geknechtet wird. Als Richard Löwenherz jedoch im Kampf gegen die Franzosen fällt, übernimmt sein selbstherrlicher Bruder John Ohneland (Oscar Isaac) die englische Krone. Währenddessen John von seinem Regiment als neuer englischer König nicht genug kriegen kann, kommt der Bogenschütze aus Sherwood Forest Robin Longstride (Russell Crowe) gemeinsam mit seinen Freunden und Mitstreitern Will Scarlett (Scott Grimes), Little John (Kevin Durand) und Allan A’Dayle (Alan Doyle) einer gefährlichen Verschwörung auf die Schliche: Der hinterlistige Godfrey (Mark Strong) treibt mit König John ein doppeltes Spiel und versucht, sein Heimatland zu seinen eigenen Gunsten zu verraten. Szenenwechsel: Der in den Hinterhalt gelockte Edelmann und Ritter Sir Robert Loxley (Douglas Hodge), ein Vertrauter König Richards, wird von Godfreys Männern tödlich verletzt. An seinem Sterbebett bittet er Robin, seinem Vater in England, Sir Walter Loxley von Nottingham, von seinem Tod zu berichten und ihm sein Schwert zu übergeben. Robin gibt dem englischen Ritter sein Versprechen und macht sich mit seinen Weggefährten auf den Weg nach Nottingham. Dort trifft er auf Lady Marion (Cate Blanchett), Sir Robert Loxley Witwe. Sir Walter Loxley adoptiert Robin als seinen Sohn und drängt Marion dazu, ihn als ihren zurückgekehrten Ehemann Robert Loxley auszugeben …

Durch Ridley Scotts übermäßige Kreativität ist ihm ein moderner „Robin Hood“, der eine völlig neue Perspektive einnimmt, erstklassig gelungen. Dabei setzte der Regisseur vor allem auf Realismus sowie an die damalige Zeit perfekt angepasste Kulissen. Schon aufgrund dieses realen Inszenierungsstils lässt bereits von Beginn an darauf schließen, dass „Robin Hood“ anno 2010 mit vorherigen Produktionen, in denen Robin Hood einerseits als der König der Diebe gefeiert wurde und die Schauspieler andererseits mit Strumpfhosen durch den Sherwood Forest liefen, wirklich nichts mehr gemein hat. Stattdessen setzt Scott auf harte Actionszenen und kommt dabei seinem ebenfalls vor Kraft nur so strotzenden Klassiker „Gladiator“ erdenklich nahe. Wie soll es auch anders sein – bei der Besetzung? Russell Crowes Darreichung des Robin Hood erinnert in manchen Szenen tatsächlich an seine Rolle als Gladiator, was jedoch als Kompliment aufzufassen sein sollte, denn immerhin gilt „Gladiator“ als absolute Erfolgsproduktion.

Was die „Zeichnung“ und Darreichung der einzelnen Charaktere betrifft, so wird jeder Cineast, der bereits mehrere Robin-Hood-Verfilmungen genossen hat, merken, dass Scotts Rollen nicht gar so klar verteilt sind. Tatsache ist, dass die Figur des legendären Robin Hood auf einem klaren Mythos basiert und sich diese Figur im Zuge der Geschehnisse in England rund um das 12. und 13. Jahrhundert entwickelt hat. In anderen Worten: Diese Zeit, in der die Steuereintreibung sowie das Knechten des Volkes an der Tagesordnung standen, brauchte einen „Helden“, der für Gerechtigkeit und das allgemein Gute kämpfte. Aufgrund dieses Faktums, dass die Figur des Robin Hood auf keiner realen Person fußt, ist es Ridley Scott keinesfalls zu verübeln, dass er sich dazu entschieden hat, seine eigene Geschichte aus Robin Hoods Vorleben zu erzählen. Scott stützt sich, wie bereits erwähnt, nicht auf die allseits bekannte Variante der Robin-Hood-Saga. Somit verkörpern, wie so oft im Rahmen anderer Produktionen, Robin Hood und der englische Ritter Sir Robert Loxley nicht ein- und dieselbe Person, sondern Robin Longstride schlüpft erst im Laufe der Handlung in die Rolle des englischen Edelmannes. Wie wir Russell Crowe bereits aus „Gladiator“ kennen, so zeigt sich der Schauspieler auch in seiner Rolle als Robin Longstride als „harter Hund“. Seine kantige Darreichung des Bogenschützens aus Sherwood Forest steht dabei in völligem Kontrast zu Kevin Costners Rolle als Robin Hood in der gleichnamigen Verfilmung aus dem Jahre 1991. Diese Version war nicht nur „softer“ in ihrem allgemeinen Inszenierungsstil, sondern ebenso von einem Touch Romantik durch die immer wieder ertönende Bryan-Adams-Schnulze, auf den Ridley Scott fast gänzlich verzichtet, geprägt. Trotz der generellen rauen Aufmachung von Scotts „Robin Hood“, kann ohne Bedenken gesagt werden, dass seine Produktion weitaus heller glänzt als so manch andere Darbietungen.

Was die Besetzung von Scotts „Robin Hood“-Verfilmung betrifft, so sei angemerkt, dass diese etwas besser gewählt hätte werden können. Diese Kritik gilt keinesfalls Russell Crowe. Er mag wohl mit seinen 45 Jahren zum Zeitpunkt der Dreharbeiten der wohl  älteste Robin Hood der Robin-Hood-Filmgeschichte sein, aber trotz allem kann er als der bisher beste Schauspieler aller Robin-Hood-Darreichungen angesehen werden. Die Kritik hinsichtlich einer nicht so „prickelnden“ Star-Besetzung gilt vor allem der Rolle der Lady Marion. Cate Blanchett gehört nicht nur zu den bereits über 40-Jährigen, sondern ist in der Rolle der eher zarten und „wunderschönen“ Lady Marion klar fehlbesetzt. Sollte es Scotts Ziel gewesen sein, Lady Marion als eher rau und forsch darzustellen und für ihre Rolle eine Schauspielerin zu wählen, die seit Jahren nicht mehr zur jungen Star-Elite des 21. Jahrhunderts zählt, so ist ihm dies perfekt gelungen.

Fazit: Wer von Ridley Scott noch immer nicht genug hat, sein Meisterwerk „Gladiator“ liebt und eine weitere Top-Verfilmung genießen möchte, der ist mit seinem neuesten Actionabenteuer „Robin Hood“ bestens bedient. Der Film strotzt vor Kraft und zeichnet sich durch einen in jeder Hinsicht perfekten Inszenierungsstil aus. Warum Scott allerdings 140 Minuten Leinwandzeit benötigt, um sein historisches Meisterwerk zum Ende zu führen, ist dennoch unklar. Tatsache ist, dass ein etwas kürzerer Mittelteil dem Film keineswegs geschadet, wenn nicht sogar um ein I-Tüpfelchen besser gemacht hätte.

OZ-Net-Moviestar-Bewertung: 8 / 10

“Iron Man 2” ist ein im Jahre 2010 produzierter Science Fiction – Action-Film von Regisseur Jon Favreau. Der Film, der genau genommen die Fortsetzung des Films „Iron Man“ aus dem Jahre 2008 bildet, basiert ganzheitlich auf der gleichnamigen Marvel-Comicreihe und ist eine Realverfilmung mit Robert Downey Jr. in der Hauptrolle des Tony Stark bzw. Iron Man. „Iron Man 2“ knüpft perfekt an das Ende des ersten Teiles an und führt die Handlung glänzend fort.

Seine Weltpremiere feierte Favreaus „Iron man 2“ am 28. April 2010 in Frankreich und Belgien. In Deutschland hingegen startete der Film am 6. Mai 2010 in den Kinos.

Sechs Monate sind vergangen, als Multimilliardär und Lebemann Tony Stark (Robert Downey Jr.) auf einer eigens einberufenen Pressekonferenz verkündete, er sei der glorreiche Iron Man höchstpersönlich. Seither hat er in Eigeninitiative dafür gesorgt, den Weltfrieden zu erhalten und seine Waffen für „gute und friedliche“ Zwecke einzusetzen. Sein Outing als fliegender und wahrhaftig „eiserner“ Held im super modernen HighTech-Anzug bedeutet für Tony Stark nicht nur pompös-feierliche Veranstaltungen und Partys, sondern das Aufstreben zahlreicher Widerstände – auch seitens der US-Regierung, die ebenso gerne ein Stück von Starks glorreicher Technologie für sich beanspruchen würde. Wo gibt es schon einen Privatier, der im Besitz eines weitaus mächtigeren Waffensystems als die Regierung selbst ist? Stark sieht sich auf der sicheren Seite – doch er hat die Rechnung ohne Technologie-Genie Ivan Vanko alias „Whiplash“ (Mickey Rourke) gemacht! Dank Starks Assistentin Virgina „Pepper“ Potts (Gwyneth Paltrow), die ihm mal schnell seinen eisernen Anzug überbringt, gelingt es ihm zwar, den wilden Russen zu bändigen und ihn hinter verschlossene Gitter zu bringen, doch an nun ist die Zeit gekommen, ab der der Druck auf ihn, seine Technologie der amerikanischen Regierung auszuhändigen, immer größer wird. Es kommt noch schlimmer: Starks zwielichtiger Geschäftskonkurrent Justin Hammer – ebenfalls Waffenfabrikant – befreit den „peitschenschwingenden“ Vanko aus dem Gefängnis, um sich von diesem einen HighTech-Anzug basteln zu lassen, der jenem von Iron Man nicht nur in dessen Funktionen ähnelt, sondern diesem bei weitem überlegen ist …

Dank der überragenden schauspielerischen Leistung von Robert Downey Jr. zählt „Iron Man“ neben „The Dark Knight“ zu den besten filmischen Leistungen im Rahmen des Ansturms an Comic-Verfilmungen. Doch was macht „Iron Man 2“ nahezu perfekt? – Die Antwort liegt klar auf der Hand: Regisseur Jon Favreau verlässt sich im Rahmen seiner Produktion nicht nur auf seinen Hauptdarsteller Robert Downey Jr., sondern versucht auch an anderen Ecken des Filmes wahrhafte Glanzeffekte, die „Iron Man 2“ das gewisse „Etwas“ verleihen, zu erzielen. Dies gelingt ihm einerseits mit seiner fantastischen Starbesetzung (Gwyneth Paltrow, Scarlett Johansson und Mickey Rourke), andererseits mittels der vielseitigen Darbietung einzelner Handlungsstränge.

Wer „Iron Man 2“ als klassischen Action-Film betrachtet, der hat von der Kinematographie eher weniger verstanden. Nur weil der Film die Anzahl der Bösewichte von 1 auf 2 vergrößert hat, heißt das noch lange nicht, dass die gesamte Produktion von einer actionreichen HighTech-Schlacht geprägt ist. Tatsache ist, man glaubt es kaum, dass „Iron Man 2“ nur 3 (!!!) „richtige“ Actionszenen präsentiert: Die erste ist jene in Monaco beim „Grand Prix Historique“, in welcher der peitschenschlagende Russenschurke „Whiplash“ die heranrasenden Formel 1 – Boliden gekonnt in Einzelteile zerschneidet. Die zweite actionreiche Szene spielt sich auf Starks ausgelassener Geburtstagsparty ab. Dort trinkt der Superheld einen gehörig über den Durst und liefert sich des Weiteren auch noch eine nahezu oscarreife Rangelei mit seinem Kumpel Rhodey (Don Cheadle). Man bemerke, dass die Rangelei zwar in Starks Privatbar stattfindet, diese jedoch über die Grenzen einer „normalen“ Kneipenschlägerei hinausreicht. Irgendwie liegt das doch klar auf der Hand, wenn man bedenkt, dass die beiden Schläger in hochmodernen HighTech-Anzügen um sich schlagen, oder? Der dritten Szene wird durch den finalen „Kampf“ zwischen Iron Man, Rhodey, Whiplash und Black Widow (Scarlett Johansson) ein actionreicher Touch verliehen. Nicht nur Black Widows gewandte Kampftechniken kommen glänzend zur Geltung, auch in jeglicher anderer Hinsicht wirft die Szene mit bombastischem Schauwerten um sich. Der Film kann zwar mit abwechslungsreichen Action-Szenen in Sachen Quantität nicht besonders überragend punkten, doch was deren Qualität und Unterhaltungsreichtum betrifft, so macht „Iron Man 2“ dieses kleine Manko gekonnt wieder wett.

Da in „Iron Man 2“ spannende Actionelemente etwas zurückhaltend eingesetzt werden, bleibt natürlich Zeit und Raum für vielerlei andere Dinge. Cineasten, die von der glorreichen und actiongeprägten Produktion „Iron Man“ sowie der lebemannähnlichen und aufgeweckten Darbietung des Tony Stark angetan waren, müssen ihre Euphorie bei „Iron Man 2“ etwas in Zaum halten. Tatsache ist, dass Jon Favreaus „Iron Man 2“ eine Richtung einschlägt, die von jener des ersten Teils ein klein wenig abweicht: Wo es „Iron Man“ gelang, mit einer satten Fuhr Humor sowie der allgemein locker-flotten Darreichung zahlreiche Cineasten in die Kinos zu locken, erweist sich das Sequel „Iron Man 2“ in einzelnen Zügen seriöser und mit etwas weniger Witz. Dies rührt wohl daher, dass Tony Stark intensiv damit beschäftigt ist, eine Lösung für den Elektrotransmitter, der ihn zugleich vergiftet, zu finden. Fakt: Gelingt es ihm nicht rechtzeitig, eine passende alternative Energiequelle zu finden, so muss er sterben. Jeder, der „Iron Man“ gesehen hat, kennt Tony Stark als arroganten, eher kalten und überheblichen Geschäftsmann. Doch in „Iron Man 2“ werden einzelne Szenen präsentiert, die den „großen Mann“ als in sich gekehrt und eher nachdenklich zeigen. Das ist natürlich nicht verwunderlich, sofern man bedenkt, dass der große Stark einen Wettlauf mit dem Tod gewinnen muss.

Fakt ist jedoch, dass wir im Großteil des Filmes – trotz Starks einzelner niedergeschlagener Phasen – auf sein egozentrisches und arrogantes Verhalten nicht vollständig verzichten müssen. Auch in der Fortsetzung von „Iron Man“ präsentiert sich Tony Stark als absoluter Egomane, dem es fast gelingt, seine Assistentin und spätere Chefin Virgina „Pepper“ Potts in den Wahnsinn zu treiben. Er geht zu weit, wenn man bedenkt, dass Stark kein Problem damit hat, Peppers Modern-Arts-Sammlung zu verschenken, um stattdessen ein Poster von Iron Man – der Abbildung seiner eigenen Persönlichkeit – aufzuhängen. Dies ist längst noch nicht alles: Tony Stark erweitert sein arrogantes Auftreten und schmeißt mit, eigentlich nicht seinem Niveau gemäßen, Lebensweisheiten wie „Don’t think, drink!“ um sich. Außerdem denkt er sich anscheinend nicht viel dabei, als er bei seiner Geburtstagsfeier vor versammelter Partygesellschaft in seinen HighTech-Iron Man-Anzug pinkelt – Ja, auch ein großer Tony Stark darf mal ein bisschen aus der Rolle fallen.

Fazit: „Iron Man 2“ erweist sich als nicht ganz so gut „geölt“ wie sein Vorgänger, trotz allem jedoch sind hinsichtlich seines eisernen HighTech-Anzuges noch keine gravierenden Abnutzungserscheinungen zu erkennen. Jon Favreau ist mit seinem Sequel zwar nicht der optimale Wurf wie mit „Iron Man“ gelungen, aber trotzdem sei gesagt, dass auch „Iron Man 2“ mit grandiosem Unterhaltungswert – sei es in filmtechnischer sowie schauspielerischer Hinsicht – ausgestattet ist.

OZ-Net-Moviestar-Bewertung: 7 / 10

“Kampf der Titanen” ist ein im Jahre 2010 produzierter Fantasy-Action-Film von Regisseur Louis Leterrier. Seine Handlung bezieht der Film aus der griechischen Mythologie, wobei hierbei zu sagen ist, dass nicht alle Fakten wahrheitsgetreu aus der Mythologie übernommen wurden. Genau genommen ist „Kampf der Titanen“ eine Neuverfilmung des gleichnamigen Films „Kampf der Titanen“ von Desmond Davis aus dem Jahre 1981.

Seine Weltpremiere feierte Leterriers „Kampf der Titanen“ am 25. März 2010 in Griechenland – dem Ursprungsland des mythologischen Handlungsstranges des Films. In sowohl Österreich als auch Deutschland und der Schweiz startete der Film am 8. April 2010 in den Kinos.

Mit „Kampf der Titanen“ lockt ein weiterer 3D-Film zahlreiche Cineasten in die Kinos: „Avatar“ und „Alice im Wunderland“ haben es vorgemacht – „Kampf der Titanen“ führt den 3D-Hype fort. Es scheint wohl in letzter Zeit schlichtweg „in Mode“ zu sein, einen Film nach dem anderen in 3D zu produzieren. Nach „Alice im Wunderland“ ist „Kampf der Titanen“ bereits der zweite Film, dem der Tiefeneffekt des allseits beliebten 3D erst in der Postproduktion verliehen wurde. Wie man sieht hat nicht jeder Regisseur wie James Cameron die Zeit, sich die Vision eines möglichen Filmes über Jahre zu überlegen und diesen von Beginn an in 3D zu produzieren. Tatsache ist, dass die Regisseure von „Alice im Wunderland“ und „Kampf der Titanen“ wohl besser getan hätten, ihren Filmen den 3D-Effekt von Anfang an „einzuweben“. Sollten zukünftige 3D-Filme – und wir können uns angesichts des bombastischen 3D-Hypes sicher sein, dass noch viele weitere folgen werden – ihren Tiefeneffekt ebenso erst in der Projektnachbereitung verliehen bekommen, so wird der 3D-Boom schneller vorbei sein, als man glaubt.

Leterriers Remake von Ray Harryhausens Schinken „Kampf der Titanen“ aus dem Jahre 1981 ist in Sachen Choreographie und Landschaftsbilder auf eine besonders beeindruckende Art und Weise perfekt gelungen. Trotz allem erweisen sich die teilweise äußerst distanzlosen Kampfszenen sowie ruckartig schwenkenden Filmbilder für ein wirkungsvolles 3D-Kinoerlebnis als eher ungeeignet. Obwohl Leterrier in dieser Hinsicht markante Fehler unterlaufen sind – besonders aufgrund der Tatsache, dass der Fantasy-Action-Film einen absoluten 3D-Film darstellen sollte – sind ihm weitere Experimente wunderbar gelungen. Als besonders positiv ist an dieser Stelle die bildhafte Darreichung der antiken Sagengestalten sowie einiger Schauplätze zu erwähnen. Dabei sind vor allem der anfänglich schwache Hades, der dies mit einem eher gebrechlichen Gang und zurückhaltender Stimme perfekt zum Ausdruck bringt, die Unterwelt mit der Darstellung des Fährmannes, der „gutmütige“ Zeus, der stets als hell und in Verbundenheit mit den Menschen repräsentiert wird sowie Medusa, deren „trashige“ Darbietung ihrer Gestalt besonders hohe Achtung verdient, hervorzuheben.

Darüber hinaus hat der französische Regisseur glänzend bewiesen, dass er kein Problem damit hat, voneinander unabhängige Handlungsstränge logisch miteinander zu verknüpfen, sodass ein in sich klarer „Inhaltsfaden“ mit einer plausiblen Geschichte entsteht: Rund um die anfänglichen Unklarheiten hinsichtlich Perseus‘ Herkunft und familiären Hintergrund hat Leterrier ein in sich einheitlich und nachvollziehbares Netz an einer klar formulierten Adoleszenz-Geschichte gesponnen.

Perseus’ wirre Familienkonstellation bewirkt einen Konflikt, der bereits zu Beginn von „Kampf der Titanen“, als sich Perseus als Erwachsener mit seinem Vater auf dem eigenen Schiff befindet, klar abzusehen ist. Es beginnt ein Kampf verschiedener Vaterfiguren, die sich um Perseus‘ eigentliche Identität duellieren, um Perseus zu jenem „Menschen“ zu machen, der das Schicksal bezwingen kann. Neben den verkörperten Vaterfiguren wird auch einer bestimmten Mutterfigur eine besonders wichtige Rolle zugeteilt: Io verkörpert einerseits die Mutterfigur, andererseits ein Objekt der Begierde. Die körperliche Verbundenheit zwischen Io und Perseus ist bereits von Beginn des Filmes an erkennbar. Trotz allem wird ihre wahre Zuneigung nie öffentlich kundgetan. Man könnte sogar anfänglich glauben, dass es Prinzessin Andromeda gelingt, das Herz von Perseus zu erobern. Dies aufgrund der Tatsache, dass sie zu Beginn des Filmes besonders in den Vordergrund gerückt wird und Perseus eindeutige Blicke zuwirft. Jener Zuschauer oder Cineast, der auf eine positives Liebeserwachen zwischen Andromeda und Perseus bis zum Ende von „Kampf der Titanen“ hofft – auch als er sie vor dem furchterregenden Kraken rettet – wird maßlos enttäuscht.

Leterrier ist es wunderbar gelungen, einen namhaften Cast (Sam Worthington als Perseus ; Liam Neeson als Zeus ; Ralph Fiennes als Hades) für seinen Film „Kampf der Titanen“ aufzubauen. Damit hat er Avatar-Star Sam Worthington die Chance gegeben, als wahrer Titelheld in voller „Montur“ aufzutreten – und das ohne CGI-Maske wie bei „Avatar“. Gemma Arterton schafft es mit der Darstellung ihrer Io, eine attraktiv-geheimnisvolle Stimmung zu erzeugen. Auf der Seite des Olymps hingegen verdient die Schauspielerei nicht so großes Lob: Würden sich Liam Neeson als Zeus und Ralph Fiennes als Hades nicht gegenseitig „hochspielen“, so würden die Szenen auf dem kitschig dargestellten Götterhimmel stets nebensächlich und absolut nicht spannend ausfallen.

Obwohl „Kampf der Titanen“ mit seiner Star-Besetzung gut „ausgestattet“ ist, schafft es der Fantasy-Action-Film leider nicht, an das Niveau eines echten Popcorn-Krachers heranzukommen. Dazu kommt nicht nur die Tatsache, dass der post-eingesponnene Tiefeneffekt des 3D eine klare Fehlentscheidung war und hier das gute, alte 2D-Kino die eindeutig bessere Wahl gewesen wäre, sondern auch der Fakt, dass Poseidon zwar als einer der drei Göttergeschwister zu Beginn des Films vorgestellt wird, dieser jedoch außer der Floskel „Bruder!“ nie zu Wort kam. Anscheinend existieren doch nur Zeus und Hades, die sich um die Oberhand des Olymps streiten, oder haben wir da etwas Wichtiges verpasst?

OZ-Net-Moviestar-Bewertung: 4 / 10

„Vera – Die Frau des Sizilianers“ ist ein packendes zweiteiliges Liebesdrama von Starregisseur Joseph Vilsmaier („Bergkristall“), das auf den Geschehnissen einer wahren Begebenheit basiert.

Der Film ist ein deutsch-österreichisches Drama aus dem Jahre 2005, das die Zwecke eines spannenden Fernsehabends glänzend erfüllt. Wahre Cineasten jedoch werden mit „Vera – Die Frau des Sizilianers“ mehr als enttäuscht sein, denn das Drama hat nichts weiter zu bieten, als die Thematik von Liebe und Mafia sowie Leben und Tod „sanft“ aufzugreifen. Interessante Hintergrundinformationen, die für den Film von zentraler Bedeutung gewesen wären, werden dem Zuschauer nicht mitgeteilt. Handlungssprünge sind keine Seltenheit, wodurch folglich zueinander gehörende Handlungsstränge entweder getrennt voneinander thematisiert oder völlig gespalten werden. Somit liegt klar auf der Hand, dass der Film wahrhaftige Mankos aufweist, die einem Fernsehzuschauer, der sich ausschließlich nach einem Unterhaltungsdrama mit einem Touch „Liebe“ und ein wenig Mafia-Action sehnt, verborgen bleiben. Echte Cineasten erwarten zuviel, wenn es darum geht, eine echte Mafia-Handlung zu verfolgen, denn auf diese wird im ersten Teil von „Vera – Die Frau des Sizilianers“ gänzlich verzichtet ; im zweiten Teil stellt sie neben der vorherrschenden Handlung rund um die Liebe zwischen der Deutschen Vera und dem Sizilianer Gaetano nur einen in etwa „Vendetta-mäßigen“ Nebenpart dar.

Mit den Termini „Amore“, „Mafia“ und „Vendetta“ könnte man das TV-Dramolett bezeichnen, denn genau diese Begrifflichkeiten bringen die Handlung exakt auf den Punkt. Eigentlich liegt es schon von Vornherein klar auf der Hand, dass sich die Zielgruppe von „Vera – Die Frau des Sizilianers“ eher auf absolute Italien-Freaks beschränkt. Gunther Gillian gebührt in dieser Hinsicht ein großes Lob, denn nicht nur äußerlich, sondern auch hinsichtlich seiner italienischen Aussprache sowie Gestik könnte man ihn leicht mit einem echten „Itaker“ verwechseln. Ebenso die Kulissen und Drehorte in Sizilien wurden wunderbar ausgewählt. Damit ist es perfekt gelungen, das sizilianische und allgemein italienische Flair bildlich zu demonstrieren und dem Fernsehzuschauer selbst die sorgenfreie, teilweise unbekümmerte italienische Welt zu zeigen.

Lüneburger Heide, 1961: Die junge Supermarktangestellte Vera (Lara Joy Körner) verliebt sich in den charmanten und temperamentvollen Sizilianer Gaetano Scalli (Gunther Gillian). Obwohl ihre Großeltern, bei denen Vera aufgewachsen ist, gegen eine Beziehung zu dem „Itaker“ sind, hält sie an ihrer großen Liebe zu Gaetano fest. Gaetano ist ein gefühlvoller Mann, der Vera zwar aufrichtig und ehrlich liebt, ihre Liebe jedoch immer wieder aufs Spiel setzt. Er fühlt sich vom Leben benachteiligt und nimmt sich alles, was ihm vermeintlich zusteht. So lernt Vera die Schattenseiten Gaetanos kennen. Als sie jedoch von Gaetano ein Kind erwartet, beharrt sie erst recht auf ihrer Beziehung zu ihm.

Alles scheint sich zum Guten zu wenden: Gaetano und Vera entschließen sich zu heiraten, ein Baby ist unterwegs und Gaetano hat endlich eine feste Arbeit – bis er Toni Viccini (Max Tidof), einen Nachtclubbesitzer und äußerst skrupellosen und zwielichtigen „Geschäftsmann“, kennenlernt und Gaetano seine Vera überredet, mit ihm und der kleinen Tochter Tiziana nach Sizilien zu gehen. Dort angekommen beginnt ein gefährliches Abenteuer zwischen Mafia, Liebe, Leben und Tod …

Mit äußerst feinem Gespür für Zeitkolorit versucht Starregisseur Joseph Vilsmaier auf eine ganz besondere Art und Weise, die Atmosphäre der deutschen 60er Jahre in seinem TV-Liebes-Dramolett „Vera – Die Frau des Sizilianers“ aufzugreifen. In den beiden Hauptrollen glänzen Lara Joy Körner und Gunther Gillian als deutsch-italienisches Traumpaar, das sich gesellschaftlichen Diskriminierungen und Konventionen sowie familiären Vorurteilen widersetzt. Weitere Rollen wurden durch Mario Adorf, Max Tidof, Heinz Hoenig, Martin Semmelrogge und Carolina Vera-Squella besetzt.

Lara Joy Körner, Gunther Gillian, Mario Adorf und Max Tidof setzen alles daran, die Thematik der Mafia und Vendetta in einem Zusammenspiel rund um Liebe zwischen zweier Menschen auf eine besondere Weise zu behandeln. Dies gelingt jedoch nur ansatzweise, denn im ersten Teil des Dramas bewegt sich ausschließlich die Liebesgeschichte zwischen Vera und Gaetano im Vordergrund. Erst im zweiten Teil rückt die Handlung der Mafia vermehrt in das Geschehen des Dramas, bleibt jedoch neben der Liebesgeschichte auf einem eindeutigen 50:50-Pfad. Wer hier einem reinen Mafia-Film entgegensieht, sieht im wahrsten Sinne des Wortes zuviel, denn genau genommen hätte der Film als reines Liebesdrama ausgelegt werden müssen. Fazit: Abgesehen von einer teils kitschigen Liebesgeschichte zwischen einer Deutschen und einem Sizilianer mit mitreißenden italienischen Floskeln und etwas zurückhaltendem „Mafia-Bum-Bum“ hat „Vera – Die Frau des Sizilianers“ nicht viel zu bieten. Alles in allem – der Film ist nichts weiter als eine aufgesetzt wirkende Mafia-Seifenoper.

OZ-Net-Moviestar-Bewertung: 9 / 10

„Charlie und die Schokoladenfabrik“ ist eine Literaturverfilmung von US-Filmregisseur Tim Burton aus dem Jahre 2005. Das Fantasy-Abenteuer basiert auf dem gleichnamigen Kinderbuch-Klassiker von Roald Dahl.

Schokolade macht nicht nur dick, sondern auch glücklich und ist ein stetiges Genusserlebnis für jedes Kind. Dass Tim Burtons Süßwaren-Märchen „Charlie und die Schokoladenfabrik“ jedoch für ein paar Kilos mehr auf den Hüften sorgt, ist gänzlich zu bezweifeln. Trotzdem besteht eine klare Verbindung zwischen dem Film selbst und der allseits beliebten schokoladenen Süßspezialität: Beides sorgt im wahrsten Sinne des Wortes für ein echtes Genusserlebnis und wärmt das Herz von sowohl Kindern als auch Erwachsenen.

Eltern und Erwachsene aufgepasst: „Charlie und die Schokoladenfabrik“ ist nicht nur etwas für Kinder und kleine Naschkatzen, sondern ein wahres Fantasy-Meisterwerk für groß und klein. Tim Burton ist es erfolgreich gelungen, mit „Charlie und die Schokoladenfabrik“ ein schrill-buntes Schokoladenmärchen zu kreieren. Der Fantasie sind hierbei keine Grenzen gesetzt. Burton schafft ein fantastisches Schlaraffenland, das den Zuschauern weit mehr zu bieten hat, als eine einfache Erkundungstour durch Willy Wonkas Schokoladenfabrik. Hier schlägt die Fantasie wahrhaftig Purzelbäume – überzogen mit einem Guss feinster Wonka-Schokolade. Der bunte Paradiesvogel Tim Burton lädt Kinder und Erwachsene ein, die unbegrenzte Kreativität inmitten der lecker-süßen Schokoladenwelt von Willy Wonka kennenzulernen.

Tim Burtons geheime Mixtur für dieses kreativ-bunte Süßwaren-Märchen: Eine Prise bunte Fantasie, zwei Messerspitzen aus dem grellen Farbentopf sowie ein großer Schuss umfassende Kreativität – das alles gut verrühren und mit feinster Wonka-Schokolade überziehen. Schon ist das schrill-schoko-bunte Süßwarenabenteuer fertig.

Hier ein kleiner Einblick in die süße Welt von „Charlie und die Schokoladenfabrik“: Der legendäre Willy Wonka (Johnny Depp) betreibt die weltgrößte Schokoladenfabrik, deren schokoladene Süßspezialitäten weltweit reißenden Absatz finden. Die Konkurrenz versucht alles erdenkliche, um Wonka von seinem Schokoladenthron zu stürzen und ihn zu sabotieren. Neider und Nicht-Gönner schleusen Spione in Wonkas Schokoladenfabrik ein, um das geheime Schokoladenrezept zu stehlen – mit Erfolg. Die Konkurrenz mit Wonkas perfekter Schokoladenrezeptur wird immer größer und so sieht sich der Schokoladenfabrikant gezwungen, seine Fabrik wegen fehlender Nachfrage zu schließen. Willy Wonka verschwindet von der Bildfläche – bis zu dem Tag, an welchem Wonka ein Gewinnspiel ausschließlich für Kinder startet. In exakt fünf seiner beliebten Wonka-Schokoriegel ist jeweils ein goldenes Ticket versteckt – fünf Tickets, die die Gewinner dazu berechtigen, einen ganzen Tag gemeinsam mit Willy Wonka die legendäre Schokoladenfabrik zu erkunden. Ganze Süßwarenläden rund um den Globus werden gestürmt – weltweit beginnt die Jagd auf die fünf goldenen Eintrittskarten zu Willy Wonkas Schokoladenwelt.

Auch der kleine Charlie Bucket (Freddie Highmore) wünscht sich nichts sehnlicher, als Willy Wonkas wundersame Schokoladenfabrik zu erkunden. Doch Charlies Familie gehört nun mal nicht gerade dem Wohlstand an und darüber hinaus sind die beliebten Wonka-Schokoriegel äußerst teuer. Aber wie das Glück so will, ist es ausgerechnet der kleine Charlie, der das fünfte goldene Ticket findet. So darf der Junge gemeinsam mit seinem Großvater Joe (David Kelly) in Wonkas Schokoladenwelt eintauchen und das legendäre Geheimnis der Fabrik lüften: Vor vielen Jahren, als die Konkurrenz Spione in Wonkas Fabrik einschleusen ließ, hat Wonka alle Mitarbeiter entlassen. Seitdem weiß niemand, wie die begehrte Wonka-Schokolade ohne Menschenhand erzeugt wird.

Mit auf die schokoladene Entdeckungstour in Wonkas wundersame Welt gehen auch noch vier weitere Kinder: Augustus Glupsch (Philip Wiegratz), der fresssüchtige Junge aus Deutschland, der an nichts anderes denkt, als sich mit Süßigkeiten vollzustopfen; Veruca Salt (Julia Winter), die verzogene Göre eines wohlhabenden Firmenchefs aus England, die stets Wutanfälle bekommt, sofern ihr Vater ihr nicht das kauft, was sie gerne hätte; Violetta Beauregarde (AnnaSophia Robb), die narzisstische Kaugummi-Kau-Weltmeisterin, die sich für nichts anders, als Siegestrophäen in ihren Vitrinen interessiert und der neunmalkluge, fernseh- und videospielsüchtige Mike Teavee (Jordan Fry), der es schaffte, das System auszutricksen und daher nur eine Wonka-Schokoladentafel kaufen musste.
Auf ihrer Reise durch Wonkas kunterbunte Schokoladenwelt erleben die fünf Kinder allerlei fantastische Abenteuer, doch das spannendste und aufregendste liegt noch vor ihnen: Eines der fünf Kinder wird von Willy Wonka persönlich einen großen Preis erhalten – einen Preis, der so wertvoll und überragend ist, sodass er ihr gesamtes Leben verändern wird …

Der große Regisseur Tim Burton gilt schon lange als Hollywoods bunter Paradiesvogel – eine Bezeichnung, die er schier zu recht verdient hat, denn abermals ist es ihm mit „Charlie und die Schokoladenfabrik“ gelungen, seine Fantasie vollends auszuleben und seiner Kreativität freien Lauf zu lassen: Knallig, kunterbunt und paradiesisch schrill – ja so stellt sich Burton Willy Wonkas wundersame Schokoladenwelt vor. Egal ob Schokoladenwasserfälle, grell-pinke Seepferdchen-Galeren, gläserne in alle Richtungen fahrende Aufzüge oder hoch-moderne, futuristische Fernsehräume – dies alles und noch viel mehr wurde mit einem großen Schuss Fantasie und kreativer Handarbeit bis ins kleinste Detail realisiert.

Auch musikalische hat „Charlie und die Schokoladenfabrik“ mehr als „schokoladene“ Kindermusik zu bieten. Der Soundtrack des Süßwaren-Märchens stammt von niemand anderem als Danny Elfman, der durch seine allseits bekannten Simpons-Melodien Berühmtheitsstatus erreicht hat. Sein musikalisches Geniekönnen bewies er in „Charlie und die Schokoladenfabrik“ durch die großartigen Songs der Umpa Lumpas. Diese kleinen Arbeiter aus dem Umpa Lumpa – Land trällern sarkastische ironische Texte zu fantastischen choreographierten Tanzeinlagen. Man kann fast sagen, dass die Umpa Lumpas die eigentlichen Stars des gesamten Fantasy-Abenteuers darstellen – oder sollte man lieber sagen: „der eigentliche Star“, denn genau genommen werden die singenden Schichtarbeiter von nur einem einzigen Schauspieler verkörpert. Deep Roy, so der Name der Umpa Lumpa – Rolle, war wohl mit der schwierigsten Rolle des ganzen Films beauftragt worden. Er musste nicht nur auf 75 Zentimeter verkleinert werden, sondern Monate über Monate an den einzelnen Choreographien der Umpa Lumpa – Einlagen feilen.

Ein weiteres Highlight des Schokoladen-Spektakels ist Christopher Lee (Rolle des „Saruman“ in der „Herr der Ringe“ – Trilogie), der auch in „Charlie und die Schokoladenfabrik“ mit einer Rolle, die den Inbegriff des Bösen darstellen soll, vertraut. Christopher Lee spielt einen Zahnarzt, jedoch nicht einen gewöhnlichen, sondern niemand anderen, als Willy Wonkas Vater. Bei der Erziehung des Schokoladenfabrikanten muss wohl mehr als nur einiges schief gelaufen sein, denn Wonka ist nicht nur merkwürdig, sondern äußerst skurril und eigenartig. Johnny Depp ist seine Interpretation der Willy Wonka – Figur großartig gelungen – er spielt ihn nahezu perfekt, jedoch trifft dies nicht unbedingt auf die Meinung vieler Eltern zu. Die Rolle Johnny Depps als legendärer Willy Wonka macht in einzelnen Szenen nicht nur Kindern Angst, sondern lässt auch Erwachsenen einen Schauer über den Rücken gleiten. Willy Wonka stößt bei weder kleinen noch großen Zuschauern auf Mitleid, denn immerhin erfreut er sich beinahe am Leid seiner vier Ticket-Gewinner Veruca Salt, Violetta Beauregarde, Augustus Glupsch und Mike Teavee.

Depp gelingt es mit seiner Interpretation des Willy Wonka auf eine mehr als grandiose Weise, dem skurrilen Burton-Stil treu zu bleiben, jedoch hätte die Darstellung des Schokoladenfabrikanten im Hinblick auf einen Kinderfilm etwas anders ausgelegt werden müssen. Trotz allem ist die farbige Wunderwelt Willy Wonkas besonders für Kinder, ab dem 6. Lebensjahr, ein regelrechtes Film-Spaß-Abenteuer – kunterbunt, spaßig und überdreht.